NEGATIV

Sherlock - Der Reichenbach Fall

noreply@blogger.com (NEGATIV) — Mon, 28 May 2012 09:00:00 +0000

von Kathrin Zeitz

Das oberste Gesetz beim Berichten über ein Staffelende: Nicht spoilern! Doch in der Tat ist es schwer, nicht allzu viel zu verraten, wenn gleich der allererste Satz von John Watson lautet: „My best friend Sherlock Holmes … is dead!“ Nach nur zwei Staffeln und insgesamt sechs Episoden soll alles schon vorbei sein? Kann nicht sein. Oder vielleicht doch?

Ein wenig ließen sich Gatiss und Moffat ja bereits in die Kartens schauen, als sie sich entschieden, eine Geschichte von Doyle zu verfilmen, die im Original den Titel The final problem trägt. Im Deutschen heißt sie Der Reichenbach Fall und ist als die Story bekannt, die den berühmten Detektiv aus dieser Welt befördert. Daher wissen eingefleischte Fans natürlich, was in der Verfilmung einer solchen Episode zwangsläufig passieren muss. Doch drehen wir erst einmal die Zeit zurück, ein paar Monate vor der erschütternden Aussage von John bei seiner Psychiaterin.

Alles beginnt mit einem berühmten Gemälde, welches Sherlock wiederbeschafft. Es sind die Reichenbach Fälle von J.M.W. Turner, dem berühmten englischen Maler der Romantik, die der Episode ihren Titel verleihen. Von tiefer Dankbarkeit erfüllt, gibt das Museum eine Pressekonferenz, auf der sie Sherlock als Helden öffentlich feiern. Und der Mythos des detektivischen Supermanns entwickelt sich weiter, ganz zum Leidwesen von Sherlock selbst, der doch einfach nur Fälle lösen will und dem der ganze Rummel um ihn gar nicht gefällt. Immer mehr steht der zurückgezogene menschenfeindliche Egozentriker in den Schlagzeilen der Zeitungen, ist ein medialer Superstar geworden, gefeiert von den Massen, bekannt wie ein bunter Hund. Spätestens, als er von Lestrade den Deerstalker-Hut aus der ersten Episode geschenkt bekommt und die Presse so ein Foto von ihm schießt, ist klar: Aus dem Menschen ist ein Bild in der Öffentlichkeit geworden. Sherlock selbst kapiert dies zunächst gar nicht, vielmehr muss John es ihm (wie so manches) erst erklären: „You’re not a PRIVATE detective anymore.“ Ab sofort wird der Detektiv von den Zeitungen verfolgt, schön in Szene gesetzt durch Zeitungsseiten, die den Bildkader ausfüllen und uns mit Schlagzeilen geradezu „bombardieren“.

Was John befürchtet, tut Sherlock als Mumpitz ab: Mit Berühmtheit geht auch Aufmerksamkeit einher. Von allen, wohlgemerkt, auch von denen, die Sherlock immer schon gehasst haben. Auftritt Jim Moriarty, die Verkörperung des genial Bösen, das „Mastermind“, welches erst jetzt zu seinem langerwarteten und im wahrsten Sinne des Wortes „bombastischen“ Auftritt kommt. Getarnt als London-Tourist betritt er den Tower, läuft seelenruhig in den Kronjuwelensaal und beginnt dann mit seinem Rundumschlag: Nach und nach setzt er per Knopfdruck auf sein Smartphone die Sicherheitssysteme des Towers, der Bank of England sowie des Pentinonville Gefängnisses außer Kraft. Unterlegt wird diese Sequenz eines „evil masterplan“ mit klassischer Musik, zu der dieser Wahnsinnige ein flottes Tänzchen aufs Parkett legt. Die Ouvertüre aus Rossinis Die diebische Elster ist zu hören, an deren Ende eine überforderte Polizei, ein verunsicherter Staat und ein zufrieden grinsender Krimineller steht, der mit Krone und Zepter bewaffnet auf seine Verhaftung wartet. Im Grunde wollte er nur einen Wunsch äußern: „Get Sherlock!“ Alles dient nur dazu, sich und Sherlock zusammen in den Gerichtssaal zu bringen. Dort soll der „consultant detective“ über den „consultant criminal“ aussagen. Was Moriarty damit eigentlich bezwecken will, ist zu diesem Zeitpunkt noch unklar, doch sorgt später für eine kräftige Überraschung. Und Sherlock tut dies, mit diebischer Freude an seiner eigenen geistigen Überlegenheit, was leider (man konnte es fast erwarten) damit endet, dass der Richter ihn wegen Respektlosigkeit gegenüber dem hohen Gericht einsperren lässt. Wand an Wand (so zumindest wird es inszeniert) stehen sich nun Sherlock und Moriarty gegenüber. Sie sind wie zwei Seiten einer Medaille, Gut und Böse, Weiß und Schwarz.

Die gesamte Folge ist auf die Konfrontation der beiden Kontrahenten ausgelegt. Es gibt zwei zentrale Szenen, in denen sie sich begegnen und sich verbal bekriegen. Wer ist das größere Genie, wer kann das Duell, das „final problem“, von dem Moriarty immer wieder redet, für sich entscheiden? „Every fairytale needs a good old-fashioned villain. You need me or you’re nothing. Because we’re just alike, you and I. Except you’re boring. You’re on the side of the angels.” Diese kurze Rede von Moriarty bringt es auf den Punkt. Denn die Heldengeschichte von Sherlock ist nur ein Märchen, das ohne das Böse nicht existieren kann. In der Inszenierung ersetzen die Revolverblätter die Märchenbücher von einst, von jetzt auf gleich können sie aus Helden Bösewichter machen. Die Presse in ihrer manipulativen Form findet ihre Gestalt in der Reporterin Kitty Riley, die sich an Sherlock heranmacht, um exklusiv über ihn zu berichten. Doch er lässt sie abblitzen und aus Rache wendet sie sich mit ihrer spitzen Feder gegen ihn. Einen Ritter in scheinender Rüstung zu demontieren, ist von nun an ihr Ziel. Und auch das von Moriarty, der Sherlock warnt, er solle sich bereit machen „für den großen tiefen Fall!“

Andrew Scott, der Moriarty verkörpert, kommt hier endlich dazu, sein ganzes Talent als Bösewicht auszuspielen. Sonst nur spärlich bzw. am Ende einer Episode intensiv eingesetzt, ist er jetzt die zentrale Figur, das Auge des Sturms. Die Art und Weise, diesen Superschurken verkörpern, gelingt ihm mit einer ausgeklügelten Mischung aus Wahnsinn und Methode. Mal wirkt er ruhig, konzentriert, fast schon betörend sexy, mal wieder unberechenbar, wie ein Pulverfass, kurz vorm Explodieren. Stellenweise erinnert sein Spiel an Heath Ledgers Joker aus The Dark Knight. Die Szenen zwischen Cumberbatch (der die ewige Kontrolle verkörpert, die ewige Raison) und Scott sind an Spannung und Intensität kaum zu übertreffen. Diese angespannte Stille, das Taktieren, der stetige Blickkontakt, die körperlich spürbare Nähe, all diese Mechanismen verkörpern die beiden glänzend.

Da Sherlock zunehmend ratlos und verunsichert ist, verschließt er sich und seine Gedanken immer mehr. Auch vor John, den er damit verletzt. Nur eine Person scheint hinter die immer kühler wirkende Maskerade zu schauen. Eine Figur, die bisher nur eine amüsante Randerscheinung war und jetzt doch so essentiell wird: Die Pathologin Molly Hooper. Dass sie Sherlock treu ergeben ist, wissen wir seit Beginn der Serie, doch jetzt zeigt sich, dass sie ihn so sieht, wie er eigentlich von niemandem gesehen werden will: Traurig und allein.. Wofür, darüber kann nur spekuliert werden. Gatiss und Moffat haben die Figur der Molly dem „klassischen“ Ensemble hinzugefügt, denn sie macht Sherlock menschlicher, angreifbarer. Und zudem ergibt sich der Hauch eines romantischen Plots, so subtil er auch sein mag und so wenig Aussicht auf Erfüllung er auch gibt.

Nach und nach geht Moriartys Plan auf. Ein Fall, den Sherlock einmal wieder mit schwindelerregender Geschwindigkeit und scheinbar mühelos lösen kann – auch dank seiner doch sehr engmaschigen Verbindung an Obdachlosen, die ihn mit Informationen direkt von der Straße versorgen – bringt die skeptische Polizistin Donovan auf den Plan. Von Anfang an warnt sie John, dass es Sherlock irgendwann nicht mehr ausreichen würde, Kriminalfälle zu lösen. „One day he’ll cross the line!“ Genau dieser Verdacht erhärtet sich. Donovan fängt nun an, Lestrade unbequeme Fragen zu stellen, Zweifel in seinem Kopf zu säen. Diese Situation wird per cross-cutting durch ein Märchen erläutert, welches Moriarty Sherlock per Videobotschaft erzählt. Es geht um „Sir Boast-A-Lot“, einem Ritter, der so eingebildet aufgrund seiner guten Taten war, dass irgendwann alle genervt zweifelten, ob diese guten Taten auch wirklich wahr seien. Und obwohl Sherlock Moriarty durchschaut, kann er das Spiel und „den Fall“ ab sofort nicht mehr abwenden. „You can’t kill an idea, can you?“ Noch mehr als in der ersten Staffel durchlaufen Figuren und Handlungen in der zweiten Staffel eine konstante Entwicklung, die in Der Reichenbach Fall konsequent weitergeführt wird. So zieht sich wie ein roter Faden die Demontage Sherlocks durch die einzelnen Episoden. Das Ziel: Ihm die Perfektion aberkennen. Die Mittel: weibliche Sexualität, Verführung und Emotion (Teil 1), Spuk und das irrationale Gefühl der Angst und Unzulänglichkeit (Teil 2) und jetzt der Entzug einer Daseinsberechtigung. Ein perfides Spiel kommt zu seinem Ende und Sherlock, der in Frage gestellt wird, muss sich geschlagen geben oder sich „neu erfinden“.

Am Ende ist er allein im Kampf gegen seinen Erzfeind, sein Gegenstück. Johns Hilfe lehnt er, zu dessen eigenem Schutz, ab: “Alone is what I have. Alone protects me!” “No, friends protect people.” John fühlt sich vor den Kopf gestoßen, doch diese letzte Konfrontation, die den Höhepunkt des Films darstellt, muss Sherlock allein suchen. Und im Grunde wird er genau das tun, was John ihm versucht hat, beizubringen. Er wird seine Freunde beschützen, vor dem Feind, der Sherlock damit erpresst, sie alle zu töten. Ein letztes Treffen auf dem Dach des Krankenhauses, ein letztes Spiel zwischen zwei ebenbürtigen Gegnern, bei dem Sherlock nur noch einen Trumpf ausspielen kann, der sowohl Moriarty als auch den Zuschauer in eine tiefe Ungewissheit entlässt. Vielleicht sei er ja tatsächlich „on the side of the angels“. Aber: “Don’t think for one second that I am one of them.” Nur ein Trick? Oder die Wahrheit, an die wir besser nicht glauben wollen? Dieses Rätsel wird nicht mehr aufgelöst. Denn was folgt ist der „tiefe Fall“. Und die Rückkehr zum Beginn der Episode: „He’s dead!“

Der Reichenbach Fall ist der bisherige Höhepunkt der Serie und von Steve Thompson als unglaublich dichter, schnell erzählter und spannender Thriller geschrieben worden. Von den mittlerweile klassischen Mustern der Deduktion über die spielerische Einflechtung visueller Ideen bis hin zu einer Weiterentwicklung persönlicher Beziehungen der Figuren untereinander (und die letzten 10 Minuten der Episode lassen wohl niemanden kalt) ist hier alles weiter perfektioniert worden. Spätestens hier vermittelt es sich: Dies ist durchkomponierte Fernsehunterhaltung auf extrem hohem Niveau, die trotzdem (oder vielleicht gerade deswegen?) einen unglaublichen Unterhaltungswert bietet.

Arthur Conan Doyle war nach vielen erfolgreich verkauften Geschichten seine ihn stets verfolgende Figur des Meisterdetektivs satt. Er wollte ihn einfach nur loswerden. Also ließ er ihn sterben. Doch nach langwierigen Protesten, Briefen, Wutattacken der Leser (und der gierigen Zeitungsverleger) brachte er ihn wieder ins Leben zurück und stellte den angeblichen Tod als raffinierten Trick von Holmes dar. Gatiss und Moffat haben nicht so viel Geduld. Zum Glück. Denn es wird eine dritte Staffel geben, Drehbeginn 2013. Laut Aussage von Moffat wird sie die Fans „noch frustrierter zurücklassen als bisher“. Warten wir es ab, womit das kongeniale Team uns noch überraschen kann. Spannend wird es sowieso. Ist ja schließlich Sherlock Holmes.

Hier die Besprechung des ersten Falls der zweiten Staffel: Sherlock - Skandal in Belgravia
Hier die Besprechung des zweiten Falls der zweiten Staffel: Sherlock - Die Hunde von Baskerville

Goldene Palme für Liebe | Cannes 2012

noreply@blogger.com (Rüdiger Suchsland) — Sun, 27 May 2012 19:48:00 +0000

Michael Haneke gewinnt nach nur drei Jahren zum zweiten Mal den Hauptpreis; Cannes-Blog, Folge 14.

Der Österreicher Michael Haneke gewinnt für seinen Film Amour bei den Filmfestspielen in Cannes seine zweite Goldene Palme! Mit dieser sehr verdienten, für viele Beobachter gleichwohl überraschenden Entscheidung ging am Sonntagabend die 65. Ausgabe des wichtigsten Filmfestivals der Welt zuende.
Weitere Preise gingen an den Mexikaner Carlos Reygadas, der die Silberne Palme für die "Beste Regie" bekam (für seine finstere Höllenfahrt Post Tenebras Lux), den Italiener Matteo Garrone ("Großer Preis der Jury" (Grand prix du jury) für den Theaterfilm Reality), an den Briten Ken Loach (Jury-Preis für Underdogkomödie The Angel's Share) sowie den Rumänen Cristian Mungiu für das "Beste Drehbuch" für Beyond the Hills. Dessen Hauptdarstellerinnen Cosmina Stratan und Cristina Flutur teilen sich gemeinsam auch sehr verdient den Preis für die "Beste Darstellerin". "Bester Darsteller" wurde Mads Mikkelsen für Thomas Vinterbergs Jagten.

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Allgemein hatten die professionellen Besucher des Filmfestivals nicht mit einer zweiten Goldenen Palme für Haneke innerhalb von nur drei Jahren gerechnet. Erst 2009 hat der Wiener mit seiner sechsten Wettbewerbs-Teilnahme in Cannes endlich den ersehnten Hauptpreis gewonnen.

Aber so ist es eben manchmal: Man soll Verschwörungstheorien nicht unbedingt glauben - auch wenn sie noch so viel Spaß machen. Egal, ob es jetzt daran lag, dass Nanni Moretti doch viel netter ist, als man denkt, und gar nichts gegen Österreicher hat - wie nicht nur alle Österreicher glauben (vgl. frühere Blogs) - oder ob er in der Jury einfach überstimmt wurde, und die sich nicht von seiner gewöhnungsbedürftigen Art beeinflussen ließen - am Ende prämiert diese Entscheidung den fraglos objektiv besten, perfektesten, in sich geschlossensten Film im Wettbewerb. Vielleicht ist es ja auch so, dass alle Verschwörungstheorien stimmen, aber Moretti einfach über seinen Schatten sprang: Immerhin erinnert Amour in mancher Hinsicht stark an den ernsthaftesten Film, den der Komödienregisseur Moretti je gedreht hat: Das Kindersterbedrama Das Zimmer meines Sohnes, mit dem er selbst im Jahr 2000 die "Goldene" Palme gewann.

Auch der Preis für Reygadas und die Schauspielpreise gehen in Ordnung. Stirnrunzeln kann man hingegen nur über die Auszeichnungen für Garrone und Loach und Mungius Drehbuchpreis. Am meisten überrascht allerdings, dass diesmal zum ersten Mal seit zehn Jahren kein einziger Preis an einen französischen Film ging: Für Leos Carax Holy Motors wäre er hochverdient gewesen - erwartet hatte man ihn eher für Jacques Audiards De Rouille et d'Os.

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In der Sektion Un Certain Regard gewann der mexikanische Film Después de Lucia von Michel Franco den Hauptpreis. Der Spezialpreis der Jury ging an Le Grand Soir von Benoît Delépine und Gustave Kervern. Eine besondere Erwähnung ging an Djeca von Aida Begic. Die Jury bestand aus Schauspieler Tim Roth, Scha Leïla Bekhti (Schauspielerin), Sylvie Pras (Leiterin der Kinosektion im Centre Pompidou Paris, und künstlerische Leiterin des La Rochelle Festival), Tonie Marshall (Regisseurin und Produzentin) und Luciano Monteagudo (Kritiker - Pagina/12 - Buenos Aires).

Die Camera d'Or ging an Benh Zeitlins Beasts of the Southern Wild, der in der Sektion Un Certain Regard gezeigt wurde.

Hier alle Berichte aus Cannes 2012.

Loznitsa und Vinterberg gewinnen in Cannes die ersten Preise | Cannes 2012

noreply@blogger.com (Rüdiger Suchsland) — Sun, 27 May 2012 18:20:00 +0000

V Tumane / Im Nebel von Sergei Loznitsa

Kurz vor der Verleihung: Erste Preise und letzte Preisspekulationen; Cannes-Blog, Folge 13.

Die ersten Preise in Cannes sind vergeben: Den Preis der "fipresci", der Internationalen Filmkritikerjury, gewann Sergei Loznitsas V Tumane. Das überrascht mich gar nicht, zum einen weil die fipresci-Jurys in Cannes in der Regel eher staatstragend mit alten, verdienten Kollegen besetzt sind, und entsprechend einen antiquierteren Geschmack haben, als auf anderen Festivals. Entdeckungen gemacht oder gar radikale, aufregende Entscheidungen haben die Kritikerjurys hier schon lange nicht mehr.

Und V Tumane ist, wie ich bereits geschrieben hatte, in seiner überlangen schwerblütigen Bedeutungshuberei und seinem altbacken-konservativen Stil genau, was hier gute Preischancen hat.

Was mir aber Sorgenfalten auf die Stirn schiebt, ist, dass der Kritikerpreis in den letzten Jahren oft identisch war mit der Goldenen Palme - was auch nicht für die Besetzung der fipresci-Jury spricht.

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Die Preise für die anderen Sektionen gingen in der Sektion Un Certain Regard an Ben Zeitlins Beasts of the Southern Wild, der schon den "grand jury prize" beim Sundance Film Festival bekommen hatte. In der Quinzaine gewann Rachad Djaidanis Hold Back, den ich nicht gesehen habe.

Die Ökumenische Jury gab ihren (Gutmenschen-)Preis an Thomas Vinterbergs Jagten und eine lobende Erwähnung nochmal an Beasts of the Southern Wild.

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Jagten von Thomas Vinterberg

Am Ende eines Wettbewerbs ohne klare Favoriten und vor allem ohne echte filmische Meisterwerke, mit dann doch recht vielen Männer- und Männerbundsfilmen, über die wir morgen noch schreiben werden, gibt es weitere Bilanzen. Das generelle Urteil der Kritiker lautet: Ein eher schwaches Jahr.

Im Kritikerspiegel des Screendaily führen mit dem schwachen Durchschnitt von 3.3 Punkten Mungiu und Haneke gleichauf, dahinter mit jeweils 2.9 Audiard, Vinterberg, Loznitsa und überraschenderweise Andrew Dominiks Killing them Softly. Künstlerisch nur sehr bedingt verlässlich, da keineswegs ein Mainstreamblatt. Für Spekulationen auch nicht, weil die Regel gilt: Wer im Screendaily führt, gewinnt keine Goldene Palme.

Bei den Franzosen von "Le Film Francais" hat Mungiu nur eine Bestwertung, Vinterberg 2, Haneke dagegen 8 (von 15) und Carax 5.

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Wenige Stunden vor der Preisverleihung dreht sich das übliche Spekulationskarussell. Einige Fakten sind auch noch von Interesse: 1997 als Moretti schon einmal in der Jury von Cannes war, wenn auch nicht als Präsident, setzte er sich sehr offensiv für Abbas Kiarostamis Der Geschmack der Kirsche ein. Am Ende zeichnete die Jury den Iraner mit der Goldenen Palme aus. 2001 war dann Kiarostami Jurypräsident. Und wer bekam die Goldene Palme? Richtig: Moretti für Das Zimmer meines Sohnes. [Moretti gewann 2001 die Goldene Palme für Das Zimmer meines Sohnes, allerdings wurde die Jury von Liv Ullmann präsidiert, und nicht von Abbas Kiarostami, der erst ein Jahr später diese Funktion belegte. A.d.R.]

Genau darum glaube ich nicht an einen Hauptpreis für Kiarostami, im Gegensatz zu Violeta aus Barcelona. Xavi glaubt an Cronenberg. Das sollte mich freuen. Beim Abendessen am Vorabend der Preisverleihung mit einer größeren Runde vor allem aus Spanien und der Türkei ist die Mehrheit klar für eine Goldene Palme an Carax. Ich auch.

Ansonsten hörte man kurz vor der Entscheidung von Streit in der Jury. Auch Kollegin Aylin aus Istanbul ist alles andere als ein Moretti-Fan: "Moretti is as a real person totally opposite to his image. He is rude an vulgar." meinte sie gestern beim Abendessen.

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Amour von Michael Haneke

Meine persönliche Palme bekommt Carax. Auch mit Reygadas oder Haneke wäre ich einverstanden. Alles andere wäre eine Enttäuschung. Mit der rechne ich. Denn auf die Frage nach der "Palma Razionale", also nach dem, was die Jury vermutlich tut, denke ich, dass Vinterbergs Jagten auf jeden Fall etwas gewinnt, und gute Chancen auf die Palme hat. Weil der dänische Missbrauchshysterie-Film genau jene Misch-Form aus "Bedeutung" und gefälligem, eindringlichem, angekünsteltem Kino repräsentiert, in dem eine gespaltene Jury einen Kompromiss finden kann. Das gleiche gilt für Loznitsa. Auch Audiards De Rouille et d'Os (Rust and Bone) dürfte für einen größeren Preis gut sein. Ich könnte mir vorstellen, dass er Alexander Payne gefällt.

In jedem Fall aber wette ich: Keine Goldene Palme an einen, der schon eine hat.

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Es regnet wieder, zum Abschluss in Cannes. Gülin meint: "The rain is good - it cuts the shit-chat-crab." Abwarten.

Hier alle Berichte aus Cannes 2012.

Die Verdammten von Cannes | Cannes 2012

noreply@blogger.com (Rüdiger Suchsland) — Sun, 27 May 2012 15:29:00 +0000

Wo seid ihr, ihr Millionäre? Rimbaud über Schreibtisch;
Cannes-Blog, Folge 12.

Versäumt man eigentlich was, wenn man wegguckt? Oder reicht es, den Film zu hören? Das ist auch mal eine Frage, nach der man Filme unterscheiden kann. Und klar, wenn ein Film eigentlich keine Bilder braucht, ist er kein guter.

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Walter Salles On the Road im Wettbewerb war ein Film, bei dem man getrost mal ein paar Minuten zur Entspannung die Augen hätte zumachen können - wäre man nicht Gefahr gelaufen, einzuschlafen. "Der Tiefpunkt" meinte später ein Fernsehredakteur zu mir, und man konnte kaum widersprechen. Man hatte vom Brasilianer Salles zwar nicht viel erwartet, ich habe sein Zeug noch nie gemocht, aber das Buch gibt doch immerhin viel her. On the Road ist schließlich immerhin die Verfilmung des Kultbuchs der Beat-Generation, wurde von Francis Ford Coppola produziert und ist mit Sam Riley, Kristen Stewart, Kirsten Dunst und Viggo Mortensen hochkarätig besetzt. Das Ergebnis ist trotzdem eine vor allem unglaublich glatte, illustrative und gefällige Version des Buches. Als Film extrem lang lang lang-weilig. Nicht Brasilanisches sondern schlechtes Hollywood. Salles schafft es noch nicht mal gute Amerika-Bilder zu liefern, der weltanschauliche Gehalt des Buches und so etwas wie die "Beat-Philosophie" fehlen völlig. Was übrig bleibt, ist ein Männerbund, inklusive latenter Homosexualität, der die Zeit mit rauchen, trinken, Proust lesen verbringt, sind Sex, Drugs & Jazz, wobei man auch sagen könnte, dass der ganze Film nur vom Sexualneid zweier Jungs auf den Dritten handelt, der alle Frauen abbekommt - ein Gefühl, dass dann durch Kunst kompensiert wird.

Vom Lebensgefühl der Beat-Generation bleibt nur die dumme Oberfläche: Ein Haufen sehr pathetischer Jungs, die die falschen Bücher gelesen haben, und Authentizitätskitsch pflegen. Man hasst die Stadt, glaubt, man müsse "was erleben", um gut schreiben zu können - dann hätte Proust ja wenig zu schreiben gehabt -, alles soll ungemein ehrlich und echt sein, aber eigentlich geht's der Hauptfigur, deren schriftstellerisches Können durch ein Rimbaud-Bild überm Schreibtisch symbolisiert wird, doch nur drum, dass er endlich mit der hübschen Marylou ins Bett geht. Dann ist sie weg, und dann kann er schreiben. Oh Mann.

Das Einzige, was Salles kann, sind Tanzszenen. Davon gibt es ein paar. Auch Kristen Stewart ist besser, als erwartet. Das Wiedersehen mit Kirsten Dunst zu kurz. Ansonsten ist das Rebellische bei Salles nur noch zu ahnen. Gerade die Autoren Jack Kerouac, Allen Ginsberg und ihre Beat-Freunde hätten diesen Film sicher gehasst.

"All we do is wait for the end to come." sagt Mortensens Borroughs einmal. Das ging uns mit dem Film genauso.

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Der Anruf des französischen Präsidenten bei ARTE um Carax' Film doch noch zu finanzieren, wurde uns inzwischen noch aus einer zweiten Quelle bestätigt.

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Es ist ein ironischer Scherz, dass die beiden Filme, die hauptsächlich im Inneren eines Autos spielen - Holy Motors und Cosmopolis, viel viel besser sind, als der Roadmovie im Wettbewerb. Die Koinzidenz, dass beide Filme auch noch im gleichen Auto spielen, ist aber eine mit tieferer Bedeutung. Die Stretchlimousine scheint zum repräsentativen Ort unseres Zeitalters geworden zu sein. Warum eigentlich?

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Ein Reiz, den sie fürs Kino hat, ist offenkundig. An ihren großen Fenstern zieht die Welt vorbei, und wer im Inneren sitzt, blickt auf sie mit ähnlicher Nähe bei absoluter Distanz, als sitze er im Kino. Jedes Fenster eine kleine Leinwand. Wer sich an den frühen Hollywood-Tonfilm Possessed erinnert, der erinnert sich auch an den langsam vorbeifahrenden Zug, auf den Joan Crawford als kleines Ladenmädchen sehnsuchtsvoll blickt. Aus jedem Fenster lockt eine andere Versuchung. Diesen Effekt macht sich Leos Carax in Holy Motors zunutze. Seine Hauptfigur Oscar probiert Leben an, wie Frauen Kleider, und ist nur bei sich, dem Nichts, wenn er in der Luxuslimousine sitzt, und die Welt draußen nur durch die Scheiben wahrnimmt.

In Cronenbergs Cosmopolis ist es umgekehrt. Hier trennt sich die Hauptfigur durch das Auto von der Welt. Innen ist er geschützt, wie in einem Mutterbauch. Er hat alles, braucht nichts von der Welt, die er nur gelegentlich kurz besucht.

Ein bisschen ist es genauso, wenn man hier über zehn Tage im Festival-Palais verbringt. Auch das Palais ist eine große weiße Box, die alles schluckt, durch deren viele Fenster und Filme man auf die Welt da draußen blickt.

Übrigens sieht man die absurden Dinger hier jeden Tag mindestens einmal vorbeifahren. Auch sonst ist es eigentlich, wie ja überhaupt das ganze Setting von Cannes, der Wahnsinn, wenn man sich einmal die Filme vergessend wachen Auges anschaut, was hier so auffährt. Ein großer Mercedes ist hier gar nichts, Porsche oder Ferrari muss es schon sein.

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Wer wie ich von Cronenbergs DeLillo-Verfilmung reißerisch-grelle Bilder erwartet hatte, sah sich von Cosmopolis getäuscht. Das Gegenteil ist der Fall: Cronenberg erzählt den letzten Tag im Leben eines New Yorker Finanzhaies zwar ganz nahe an der Vorlage als bedrückendes Portrait westlicher Dekadenz und als bitteren Abgesang auf den Kapitalismus. Aber der Film ist trocken und aseptisch, was bei Cronenberg natürlich kein Zufall ist. Cosmopolis ist sein Der Fremde, sein American Psycho, seine Version von Shame - eine existentialistische Parabel. Die Hauptrolle spielt Mädchenschwarm und Twilight-Star Robert Pattison. Der Kanadier zeigt sich hier als Moralist, der für die funkelnde Kraft von DeLillos Vorlage vor allem eine visuelle Bühne bereitet, auf der die Schauspieler dann Sätze aufsagen, wie diesen: "Die Steigerung des Business ist Mord."

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Repräsentativ ist der Film, weil er nahezu alle politischen Motive der verschiedenen Filme in Cannes bündelt: Die Finanzkrise, die Kriege der Welt, die moralischen Dilemmata eines Westens, der oft zwischen Engagement und Gleichgültigkeit, zwischen Empörung und Zynismus schwankt, ohne dass ein klarer Kompass des Handelns erkennbar würde.

Denn was kann Politik im Kino eigentlich alles heißen - jedenfalls jenseits der Vielzahl mehr oder weniger bedeutungsvoller und daher auf zwischenmenschlicher Ebene auch immer politisch auszuhandelnder Themen.

Die Filme in Cannes waren glücklicherweise selten solche plakativen "Themen- und Thesenfilme", doch sie handelten von Sterbehilfe, Kindesmissbrauch, Behinderung, Resozialisierung in Europa, von europäischem Sextourismus in Afrika, von Rassen- und Klassenkonflikten in Mexiko, von Schuld und Sühne in Russland und ganz allgemein. Wenn man das so zusammenliest, dann wirkt das Filmfestival wie eine Höllenfahrt, ein Panorama des Schreckens, wie es die Maler Bosch und Breughel in der frühen Neuzeit entwarfen - schon damals nicht ohne Ironie, eher zur Ergötzung, als zur Einschüchterung der höheren Klassen und gebildeten Schichten.

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Statt solcher oft geschmäcklerischen Exploitationfilme fürs Bürgertum sympathisiert man dann doch eher mit schlichten, aber eindeutigen Dokumentarfilmen: Zum Beispiel Le Serment de Tobruk vom französischen Starintellektuellen Bernard Henri Levy, in der die Geschichte des Befreiungskampfes von Libyen und der westlichen Unterstützung erzählt wird.

Zwar ist dies ein erkennbar eitler Film, in dem BHL, wie man ihn in Frankreich nur nennt, immerzu blendend angezogen, im weit offenen weißen Hemd zwischen Ruinen, Schützengräben und Flüchtlingslagern flaniert, um in der nächsten Szene wieder an der Seite von Sarkozy oder Hillary Clinton Weltpolitik zu betreiben. Aber immerhin ist ihm das auch gelungen. Der Film hält mit nichts hinterm Berg, er ist offen und klar - und er zeigt, wie die Anti-Ghaddafi-Koalition geschmiedet wurde, und welche Opfer die lybische Bevölkerung zu erleiden hatte. Es ist ein aufrüttelndes, emotionales Kinodrama, das Pathos nicht scheut, das uns Gleichgültigen in den westlichen Metropolen klarmachen möchte, dass es an uns selber und nur an uns liegt, ob der Westen für den Rest der Welt ein Stück Hoffnung verkörpert - oder nur das Objekt von Verachtung.

Zudem ist Le Serment de Tobruk ein Hohelied auf einen Typus des engagierten Intellektuellen, der persönlich mutig und bewusst subjektiv eingreift - einen Typus, wie es ihn bei uns gar nicht gibt, neben dem ein Günter Grass wie ein politischer Clown und eine Farce wirkt.

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Aber auch in diesem Film liegt die Politik wieder immerzu nur im Inhaltlichen. Als ob die Filmemacher alle ästhetisch denkfaul geworden seien. Was eine politische Form im Kino sein könnte, das repräsentierte der Franzose Leos Carax als Singulär im Wettbewerb von Cannes: Carax' Holy Motors war das ohne Frage herausforderndste Werk im Wettbewerb - einer dieser Filme, wie man sie eben nur in Cannes zu sehen bekommt. Und dies nicht allein wegen seines unverhohlenen Ästhetizismus, sondern auch wegen seines Anarchismus.

Holy Motors ist deshalb politisch, weil er den Betrachter auf sich selbst zurückwirft und aktiviert. Nur er kann sich den Film erklären, der Film oder der Regisseur nimmt ihm das nicht ab. Die Schönheit, heißt es an entscheidender Stelle, liege im Auge des Betrachters. Die Politik auch - darum sollten die Künstler ihre Gestaltung nicht den Politikern überlassen.

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3-0 hat der FC Barcelona das spanische Pokalfinale gegen Bilbao gewonnen, mein Lieblingsspieler Pedro - "Pedrito", wie die Barca-Fans zärtlich sagen - schoss das 1-0 und dann nach einem Tor von Messi noch das dritte und damit das allerletzte Tor der Ära Guardiola. Nach dem Spiel sagte er zu Pedro, der zwar ein Barcelona-Eigengewächs ist und nach Ansicht der Katalanen zusammen mit Puyol "the most passionate player", aber diese Saison zuletzt nach Verletzung kein Stammspieler war, vielleicht hätte er ihn mehr einwechseln sollen.

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Ich will übrigens mehr verrückte Reiche. Ich will Millionäre, die Zeitungen kaufen, statt zu lange Autos, oder wenigstens beides, die es krachen lassen, aber eben auch mal künstlerisch und intellektuell; die Projekte verwirklichen. Zum Beispiel eine gute europäische Filmzeitschrift, deren Autoren von ihrer Arbeit leben können. Wo seid ihr? Ihr Reemtsmas? Was haben die Burdas und Springers von ihrem Geld? Macht? Ich will Euer Geld, ja, aber ich verspreche Euch, dass ihr dafür auch etwas Gescheites bekommt...

Hier alle Berichte aus Cannes 2012.

Sherlock - Die Hunde von Baskerville

noreply@blogger.com (NEGATIV) — Sun, 27 May 2012 09:00:00 +0000

von Kathrin Zeitz

Gleich zu Beginn ein Horrorszenario: Ein kleiner Junge rennt verängstigt durch einen Wald. Lautes Atmen, schnelle Schnitte, die Farbe Rot überall. Der Junge wird von etwas verfolgt, immer wieder hört man eine wilde Bestie und die hilflosen Schreie eines Mannes. Das Kind flüchtet, blickt zurück, die Schreie werden lauter, verzweifelter, dann plötzlich Stille. Das Kind läuft weiter, bis es auf eine alte Frau trifft, die besorgt fragt, ob alles in Ordnung ist. Harter Schnitt: Ein junger Mann steht inmitten einer Felsgrotte und blickt sich ängstlich um. Er ist allein. War das alles ein Traum? Oder eine Erinnerung?

Mit diesem gruseligen Prolog, der an Mystery-Serien wie Akte X oder Fringe erinnert, beginnt die zweite Sherlock-Episode Die Hunde von Baskerville, wohl eine der bekanntesten Geschichten von Arthur Conan Doyle, von der es mittlerweile über 20 Verfilmungen gibt. Klar, dass Mark Gatiss und Steven Moffat auch diese Erzählung in ihren modernen Sherlock-Kanon aufnehmen wollten. Und so schicken sie ihren großstädtischen „consulting detective“ ins englische Landleben.

Doch bevor sich Sherlock in die „Provinz“ begibt, muss er zunächst mit einem Problem kämpfen. Im Grunde nichts großartiges, doch für Sherlock existentiell und daher Anlass für einen manischen Anfall: Er ist nikotinabhängig und John hat seine Zigaretten versteckt. Zudem bleiben interessante Klienten aus. Genug, um ein stets auf geistige Anregung fixiertes Genie außer Kraft zu setzen. Das Spannendste momentan – aber lange nicht spannend genug – scheint ein verschwundenes Kaninchens namens Bluebell zu sein. Gesellschaftsspiele wie Cluedo fallen als Zeitvertreib aus, denn John weigert sich, mit jemandem zu spielen, der die Regeln des Spiels nicht akzeptiert. „It’s not possible for the victim to have done it!“ Eine schöne Anspielung auf die Traditionen von Doyle oder auch Edgar Allan Poe, die ihre Mördergeschichten oft auf abstruse Art und Weise auflösten, indem zum Beispiel aus heiterem Himmel ein Orang-Utan als Täter deklariert wurde (in Poes erster Kriminalgeschichte Murders in the Rue Morgue).

Gut, dass hier Henry Knight eintrifft, der arme hilflose junge Mann aus dem Prolog. Vor Jahren kam sein Vater unter rätselhaften Umständen ums Leben. Er war in einer militärischen Forschungseinrichtung namens Baskerville in Dartmoor stationiert, in der mit chemischen und biologischen Kriegswaffen experimentiert wurde. Schon immer zog dieser Stützpunkt die öffentliche Aufmerksamkeit auf sich, denn keiner wusste genau, was da vor sich ging und immer noch geht. Zusammen mit Henry schauen sich Sherlock und John einen Fernsehbericht über Dartmoor und Baskerville an. Ein Geheimnis scheint hinter den abgeschotteten Mauern zu lauern. Und schon befinden wir uns mitten in einer guten alten englischen Gothic-Horror-Geschichte. Einsame Landschaften, verschrobene Bewohner, Geheimnisse, die vor der Welt verborgen werden, weil sie böse sind. Und weil sie Monster hervorbringen. Monster wie den riesigen „Hund von Baskerville“, der, laut Henry, seinen Vater umgebracht hat. Mark Gatiss, der Autor dieser Episode, zeigt mit dem Aufgreifen alter Schemata, dass sie auch heute noch funktionieren, dass auch heute noch „mad scientists“ existieren, genau wie „damsels in distress“, doch sind die Forschungen keine Zukunftsmusik mehr, und die Jungfrau in Nöten ist jetzt eben ein Mann mit einem ungelösten Kindheitstrauma.

Sobald Henry von Dingen wie dem Teufel redet und von unglaublichen Horrormonstern, kann Sherlock nur die Augenbrauen hochziehen, er als Skeptiker und „man of reason“ glaubt nicht an spiritistischen Humbug. Trotzdem zeigt er sich interessiert an dem Fall, fühlt sich endlich geistig herausgefordert. Für ihn liegt gerade darin der Spaß. Da wartet ein Rätsel, das scheinbar nicht „von dieser Welt“ ist und somit seine streng wissenschaftliche Weltsicht anzweifelt. Für Sherlock Grund genug, sich dieser Provokation zu stellen.

Die Verschiebung des Handlungsraums von der Stadt aufs Land wirkt von Anfang an befremdlich. Sherlock und John fahren durch verlassene Landschaften, die nicht als beruhigende Impressionen aufgenommen werden, sondern an ihnen richtiggehend vorbeirauschen und so distanzierend wirken. Dies ist nicht die Umgebung, die Sherlock liegt. Zu natürlich, zu ungeordnet ist alles, daher wirkt auch er in seiner distinguierten Aufmachung wie ein Fremdkörper innerhalb des Dorfes. Sherlock ist hier ein „Stranger in a strange land“. Ein schönes Bild findet die Kamera, als er einsam auf einer Felsformierung steht, der Mantel flattert im Wind, der Blick richtet sich auf die Ferne, auf den wolkenverhangenen Horizont. Dieses Bild erinnert an Caspar David Friedrichs Wanderer, das Sinnbild des Suchenden – wobei allerdings der melancholisch romantische Subtext bei Sherlock ein wenig untergeht. Zusätzlich erinnert einen das Bild unweigerlich an die Geschichte des „Engländers, der auf einen Hügel stieg…“. Spätestens, als das Dorf gezeigt wird, ist klar, dass ein Verweis auf die typisch britischen Krimi-Reihen der letzten Jahrzehnte gesetzt wird. Der Fall, die Charaktere, die gruseligen Umstände, der stetige Verdacht des surreal Geisterhaften (welcher sich übrigens immer in einem weltlichen Täter auflöst), dies alles das würden wir auch in einem Barnaby- oder in einem Lynley-Krimi finden. Bei Barnaby vielleicht etwas abstruser, bei Lynley sicherlich mit weniger humorvollem Subtext. Doch der Unterschied zu diesen Formaten ist auch und gerade der Fokus der Erzählung. Wir verlieren bei Sherlock niemals die Ermittelnden aus den Augen. Sie stehen im Zentrum des Falles, bei Barnaby und Lynley dagegen werden in jeder Episode neue Figurenkonstellationen der „side characters“ erarbeitet.

Als Henry Sherlock und John ins Moor führt, wird die Szene mit Schreien und Tiergeräuschen unterlegt. Gruselatmosphäre wird geschaffen – nur um dann gleich wieder gebrochen zu werden. Selbst im Dunkel ist das Moor noch leuchtend grün, als wollten Gatiss und Moffat um jeden Preis die schwarze Farbe der klassischen Gruselfilme negieren. So wie London nicht mehr zwingend neblig ist, so ist auch der nächtliche Wald in Sherlock nun mal nicht schwarz. Die Macher kennen und ehren die Traditionen, greifen sie auf, kehren sie aber auch gerne einmal selbstironisch um.

Neben der englischen Landschaft, die der modernen Zeit (fast märchenhaft) entrückt daherkommt, wird noch ein zweiter wichtiger Handlungsort etabliert: die militärische Forschungsstation Baskerville selbst. Im Gegensatz zu den warmen, fast schon überkolorierten Landschaftsaufnahmen herrschen hier kalte Farben wie etwa ein stählernes Blau, dazu wird fast schon grell überbeleuchtet. Tierversuche werden im Labor durchgeführt, Genmanipulationen stehen an der Tagesordnung, die Kaninchen (erinnern wir uns an den armen verschwundenen Bluebell!) „leuchten“, die Affen sind aggressiv, da stellt sich natürlich die Frage: Warum sollten unter solchen Bedingungen nicht auch modifizierte Riesenhunde ihr Unheil im Wald treiben? Unnatürliche Umstände erfordern unnatürliche Lösungsansätze.

Die Ermittlungen, die Sherlock und John in diesem Labor durchführen, unterscheiden sich von den detektivischen Untersuchungen an anderen Orten. Hier, auf dem Stützpunkt, müssen die beiden auf Zeit spielen. Denn nachdem sich Sherlock per geklautem Ausweis (von Mycroft natürlich!) Zugang zum Labor verschafft hat, beginnt sofort die Überprüfung seiner Identität und das Risiko wächst kontinuierlich, aufzufliegen. Und so wird aus einer fast schon gemächlich dahinplätschernden „Gothic Crime Story“ ein Abenteuer im Stil von Mission Impossible. Das Spiel mit Referenzen und Stilen, es setzt sich fort und spitzt sich zu.

Johns Charakter erfährt in dieser Episode wohl die größte Entwicklung hin zur Eigenständigkeit. Bisher war er Beobachter, Unterstützer, Einflussnehmer auf Denken und Handeln seines Freundes. Nun ermittelt er auf eigene Faust, was ja bereits die Vorlage von Doyle auch so anlegt. Von Sherlock hat er gelernt, auf Details zu achten. Und so findet er Hinweise, für die sein Partner gerade keine Aufmerksamkeit hat. Dass seine Untersuchungen leider später ins Leere laufen werden, unterstützt allerdings die klassische und vielleicht auch unumstößliche These, dass Sherlock nun mal DER dominierende Geist der Serie ist. Ohne sein Genie kann John nicht viel ausrichten, später wird er als „conductor of light“ bezeichnet, einen Katalysator der Gedanken anderer. Er hilft, Dinge zu sehen, ohne sie selbst entdecken zu müssen.

Als sich herausstellt, dass Sherlock in der Tat bereits einen Fall ganz nebenbei gelöst hat, ohne John darüber zu informieren, reagiert dieser etwas säuerlich. Es gefällt ihm nicht mehr, nur Betrachter zu sein. Sogar die Aufmachung Sherlocks nervt ihn mittlerweile. „You being so mysterious with your cheekbones, and turning your coat collar up so you look cool.“ Vielleicht gefällt es Sherlock nicht, doch John zerstört nach und nach die Fassade der Coolness, mit der sich der Meisterdetektiv so gerne umgibt. Die beiden arbeiten jetzt lange genug zusammen, für eine Fassade ist da kein Platz mehr.

Während des Ausflugs in das „verwunschene“ Moor kommt es zu einem Vorfall, der alles bisher etablierte gehörig durcheinander wirbelt: Sherlock wird in der Tat mit übernatürlichem Horror konfrontiert. Es ist der interessante Kern dieses Falls, die zentrale Konfrontation, der sich die Hauptfigur hier stellen muss. War es im ersten Fall sein eher sperriger und gehemmter Zugang zu Sexualität, Weiblichkeit und Gefühl, die ihn schwächte, so ist es hier die Tatsache, dass er seinem eigenen Verstand nicht mehr trauen kann. Er zweifelt. An sich und an den Tatsachen. Durch diesen Konflikt wird das gesamte Konstrukt einer rationalen und an die Wissenschaft glaubenden Figur wie Sherlock Holmes in Frage gestellt. In der ersten Staffel wurde ein Protagonist kreiert, den man nun zu kennen und zu fassen glaubt. In der zweiten Staffel nun wird eben jener Protagonist Schicht für Schicht dekonstruiert. Eine Weiterentwicklung, die man von guten Serien erwarten sollte und die hier eingelöst wird.

„I use my senses, John, unless other people!“ In die Enge gedrängt durch seine Unzulänglichkeit, den Fall zu lösen, benimmt sich Sherlock wie ein angegriffenes Tier. Er schlägt mit seinem Intellekt wild um sich, denn seine Waffe ist die logische Beobachtung, nicht etwa körperliche Aggression. Er wird John, der versucht, ihn zu beruhigen, vor den Kopf stoßen, schlimmer als vorher. Denn dieser glaubt, die beiden seien Freunde, doch Sherlock besteht auf der Tatsache, keine Freunde zu haben. „I wonder why“, kann John ihm nur noch zynisch entgegensetzen, nachdem er ihn vorher bereits mit Spock gleichgesetzt hat (und der Vergleich liegt in der Tat nicht so fern). Es ist das erste Mal, dass die vertraute Beziehung der beiden einen richtigen Knacks bekommt. Umso wichtiger später die Entschuldigung des Mannes, der keine Gefühle zulassen kann. „I don’t have friends. I’ve just got one.“

Natürlich wäre Sherlock nicht er selbst, würde er sich nicht bald wieder auf seine Fähigkeiten besinnen. Bei weiteren Untersuchungen im Labor setzt er zu seiner letzten, alles erklärenden Analyse ein. Dafür begibt er sich in seinen, wie er es selbst nennt, „mind palace“. Inszenatorisch ein Höhepunkt, denn hier beginnt die Reise in sein Universum der Gedanken, der Rückschlüsse, der Zeichen und der Interpretation. Sherlock spielt mit seinen Ideen, seinem „stream of consciousness“. Er ähnelt einem Dirigenten, einem Zauberer in Trance. Als er dann die Lösung hat, schaut er zufrieden in die Kamera und kehrt mit einem Ruck in die wahre Welt zurück. Diese Verbildlichung der Gedanken als visuelle Strategie und das Cluster der Überlegungen ist ein Phänomen der Serie und kann als „Sherlockology“ bezeichnet werden.

Mark Gatiss hat die Doyle’sche Legende des „Hundes von Baskerville“ glaubhaft und harmonisch in das moderne Universum von Sherlock verfrachtet. Und doch steht dieser Fall, ähnlich wie die zweite Episode der ersten Staffel, etwas außerhalb der Entwicklung der Serie. Die Mystery-Elemente überwiegen, Allgemeinplätze wie ein surreal anmutendes Geheimnis oder merkwürdige Nebenfiguren beherrschen die Szene. Dadurch gerät der zentrale Kampf der Meisterhirne Sherlock und Moriarty ein wenig außerhalb des Fokus. Umso wichtiger daher, dass Gatiss einen spannenden Showdown und einen Epilog erdacht hat, auf den man genau achten sollte. Denn dieser bringt Moriarty wieder ins Spiel und schafft den Ausblick auf den Höhepunkt der Serie: Es naht das „final problem“ und ein wirklich fieser Cliffhanger, welcher den der letzten Staffel noch um Längen übertreffen wird.

Hier findet Ihr die Besprechung der ersten Folge der zweiten Staffel: Sherlock - Skandal in Belgravia.

Sturm der Entrüstung

noreply@blogger.com (Rüdiger Suchsland) — Sat, 26 May 2012 20:46:00 +0000

Wie viel für ein Interview mit Tarantino?

Falschscheiber und Rechtschreiber - wenn die Filmkritik auf den Strich geht; Cannes-Blog
Folge 11.

Wie die Filmkritik auf den Strich geht, auch das können wir in Cannes beobachten. Der Strich heißt hier Croisette, und die Preise sind, wie sonst auch, ziemlich happig: 650 Euro hat jetzt ein deutscher Kritiker für ein Interview mit Nicole Kidman bezahlt, angeblich im Namen von Pro Sieben. Hoffen wir mal, dass zumindest das nicht stimmt.

Schon bisher, das sollten sich alle klarmachen, ist Geld geflossen: Über 3000 Dollar für ein Einzel mit Brad Pitt, über 1200 für Kristen Stewart. Diese Preisliste stammt nach Informationen der Welt von der kanadischen Produktionsfirma Alliance und gilt für Interviews, die für die Cannes-Wettbewerbsfilme Killing Them Softly und On the Road stattfinden. Nun hat die Firma Planet Media, die The Paperboy, einen grauenhaft schlechten Mist, in Deutschland herausbringt, das Tabu gebrochen, und von Journalisten fürs Interview Geld verlangt. Man kann nur hoffen, dass über den Film und die Firma nun entsprechend berichtet wird. Und das kein Medium dieses Interview drucken wird.
Wie Hans Georg Rodek richtig schreibt: "Wehret den Anfängen!"

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Man muss hier aber auch über die andere Seite reden: Den Filmjournalisten, er ist kein Kritiker, denn er schreibt keine Filmkritiken, sondern führt nur Interviews zu Filmen, die er nicht (immer) (komplett) gesehen hat oder haben kann. Solche Leute sind schlimm genug. Nutten des Betriebs. Und es gibt leider ein paar davon. Es sollte uns nicht weiter kümmern, dass sie sich gegenseitig kannibalisieren.

Tut es aber spätestens dann doch, wenn wir selber davon betroffen sind. Offenbar wegen einer Namensähnlichkeit, die mir immer schon unangenehm war, gibt es nämlich gerade von verschiedenen Seiten das Gerücht, ich selbst sei derjenige gewesen, der das Interview gekauft hat. Dies dementiere ich hiermit herzlich! Ich führe in Cannes sowieso kaum Interviews. Und würde nie für welche bezahlen. Ich lasse Texte auch nicht von den Interviewten gegenlesen. All dem kann ich widersprechen, und wer mich kennt, glaubt es eh nicht.

Dass ich ziemlich ähnlich heiße, wie Rüdiger Sturm und mit ihm von dummen Menschen manchmal verwechselt werde, kann ich allerdings leider nicht verhindern.

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Tarantino hat übrigens auch ein Tor geschossen. In der zweiten italienischen Liga, für Aufstiegskandidat Sassuolo Calcio zum 3-1 gegen Juve Stabia.

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Und immel schlön die rehtshreibprüfung durchratten lassen… Aus Deutschland kommen besorgte Fragen, ob ich denn müde sei. Nein nein, nur arbeitet man ja hier unter Hochdruck immer auf dem Sprung zum nächsten Film, unterbrochen von netten Fragen geschätzter Kollegen, vom Höllenlärm im Palais oder den Scghreien der Fotografen am roten Teppich, die wir hier hören. Und vor allem an französischen Tastaturen.

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Rechtschreibprogramme sind manchmal Falschschreibprogramme, das merkt man besonders auf Filmfestivals wo unsereiner seine vielen tausend Zeichen oft in ausländische Tastaturen hineinhacken muss. Gerade haben wir zum Beispiel "kacken" hingeschrieben, was uns natürlich wie von selbst auf das Unterbewusste führt.

Noch schlimmer ist es, wenn sie Worte "verbessern", der Computer also selbst ein Unterbewusstes ausbildet und den Schreibenden stärker kontrolliert, als es sein Über-Ich je könnte. Aus dem Programm wird dann schon mal ein Pogrom.

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"Computer will die" heißt es bei Don DeLillo. Schön wär's, zur Zeit wirken sie lebendiger denn je.

Hier alle Berichte aus Cannes 2012.

Höre, Kino! | Cannes 2012

noreply@blogger.com (Rüdiger Suchsland) — Sat, 26 May 2012 20:16:00 +0000

God's Neighbors

Jenseits vom Konsenskino: Gangster, Werber, Gläubige und die Kunst der Beobachtung - ein Blick in die Nebenreihen Quinzaine und Semaine; Cannes-Blog, Folge 10.

"To the true believer faith is observation." Dieser Satz von Reb Nachman Breslover, dem Rabbi Nachman (1772-1810), der Begründer der chassidischen Tradition des Judentums, steht vor Beginn von God's Neighbors in der Semaine de la Critique. Er gilt auch für die Gläubigen des Kinos: Unser Glaube zeigt sich im genauen Hingucken, in der Beobachtung, wieder und immer wieder, und mit den Filmen sprechen wir mit einem guten Freund. Schma Israel!

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Es geht los wie ein Western: Ein Zugüberfall, Pferdewiehern. Aber das Ganze spielt im Jahr 1941, in Indien, das damals noch eine britische Kolonie ist... Es ist eine Räuberbande, die hier einen Zug ausraubt, um Getreidesäcke zu stehlen. In dieser Episode liegt die Initialzündung zu einem Bandenkrieg rund um die bengalische Stadt Wasseypur. Von diesem erzählt der indische Regisseur Anurag Kashyap in seinem Film Gangs of Wasseypur, einem nicht weniger als fünfstündigen und trotzdem sehr kurzweiligen Gangsterspektakel, das längst nicht nur Freunde des Genrekinos begeisterte.

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Gangs of Wasseypur

Eigentlich geht es los wie eine Soap. Die läuft im indischen Fernsehen, eine nicht mehr ganz junge Frau singt ein Bollywood-Kitschlied. Langsam, ganz langsam zieht sich die Kamera zurück. Wir erkennen, dass es sich überhaupt um ein Fernsehbild im Kinobild handelt, wir sehen, dass der Fernseher eher klein ist, und in einem Ladengeschäft steht. Die Besitzer sind arm. Dann zerschmettern Schüsse den Bildschirm - Fashion-Statement auf Indisch.

Bei den Schützen handelt es sich um eine Bande. Schnell ist klar: Sie haben es auf den Führer einer konkurrierende Gang abgesehen. Von mehreren Seiten nähern sie sich dessen Haus. Der Kommandeur sagt: "Fuck Orders! Just shoot everyone that moves."

Aber als erfahrene Zuschauer spüren wir sofort, was dieser Mann übersieht: Irgendetwas stimmt nicht. Man sollte in Räume, in die man Handgranaten reinwirft, immer auch später reingehen und nachschauen. Nicht den Untergebenen trauen. Nicht einfach sagen: "Basterds are dead." Von wegen. Wir Zuschauer sehen, dass die Anschlagsziele - ein älterer Mann, ein jüngerer, zwei junge Frauen - unverletzt in Sicherheit sind. Wir lächeln über den Klingelsong am Handy: "I am not the hero, I am the villain."

Dann kommt der Vorspann und der eigentliche Beginn.

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So etwas hatte man lange nicht mehr gesehen: Kashyap schafft mit seinem Film, einem der gefeiertsten Werke bei den diesjährigen Filmfestspielen, das in der Nebenreihe Quinzaine Premiere hatte, mit spielerischer Leichtigkeit, was vielen hochtrabend mit Bedeutung hausierenden Filmen im Wettbewerb in diesem Jahr misslang: Er verknüpft künstlerischen Anspruch und Unterhaltung, verbindet politische Relevanz mit einem virtuosen Stil, der den Betrachter immer wieder in Bann zieht, und auch fünf Kinostunden nicht langweilig werden lässt. Gangs of Wasseypur ist eine Art indisches Pendant zu Sergio Leones Klassiker Once Upon a Time in America, dessen restaurierte, verlängerte Version auch in Cannes lief, in der Reihe "Cannes Classics": Im Epos über den Kampf zweier Familien zwischen 1941 und 2011 streift man Dokumente aus 70 Jahren indischer Geschichte und so wird der Film unter der Hand auch zu einer ebenso originellen wie facettenreichen Sozialhistorie des Subkontinents.

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Viele der Filme in den unabhängigen Sektionen Quinzaine des Realisateurs und Semaine de la Critique sind natürlich "kleiner" und bescheidener gemacht, als dieser außergewöhnliche, mit 340 Darstellern und einem Team von 150 Leuten gedrehte Film. Trotzdem gilt ein allgemeiner Grundsatz: Kleine Reihen haben extremere Filme, weniger Konsensfilme.

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Etwa der ganz hervorragende chilenische No von Pablo Larrain, von dem nicht wenige Zuschauer sagten, er hätte eigentich im Wettbewerb laufen müssen: Immerhin gewann er den Hauptpreis der Quinzaine. Mexikos Weltstar Gael Garcia Bernal spielt in No die auf historischen Fakten beruhende Figur eines zunächst unpolitischen jungen sehr talentierten Werbemanagers, der im Jahr 1988, gegen Ende der faschistischen Pinochet-Diktatur vom demokratischen Oppositionsbündnis zum Leiter jener Referendumskampagne gemacht wurde, die Pinochet schließlich zum Rücktritt zwang. Am Beispiel einer Person wird man Zeuge eines politischen Reifeprozesses, der Geburt des politischen Idealismus aus dem Geist der Moral.

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Um Moral, zunächst freilich ihre negativen Folgen geht es auch in dem israelischen Film God's Neighbors, der am Freitag in der Semaine de la Critique mit den Preisen für die "Beste Regie" wie für "Beste Musik" ausgezeichnet wurde. Regisseur Meni Yaesh erzählt in seinem Debüt von einer Gang junger Männer in der Tel Aviver Vorstadt Bat Yam. Was sie von anderen unterscheidet: Sie sind radikale jüdische Fundamentalisten: Sie bedrohen Frauen aus der Nachbarschaft, die sich ihrer Ansicht "unzüchtig" kleiden ("Dress properly! Respect the neighbourhood!"), kleine Ladenbesitzer ("Don't stay open on Sabbat!") und säkulare Juden, die sich nicht an die religiösen Sabbat-Vorschriften halten, und schlagen auch schon mal einen Straßenhändler krankenhausreif, der die falschen Filme verkauft ("You sell them in Tel Aviv!").
Lächelnd sagen sie "Be prepared for the messiah. No despair in the world." Dann kiffen sie und komponieren Techno-Beats mit religiösen Texten. Glaube als Männerbund mit singen, tanzen, spielen, lachen. Der Rabbi sagt ihnen: Comandement komme von Kameradschaft. Dann "I dont know a clue", denn Intellektualität ist ja Eitelkeit. Sie sind arrogant, denn sie reden täglich mit ihrem Gott, und er antwortet ihnen auch.

Nur Frauen stören die Männerwelt, und die Leute, die an die Wand schmieren: "No religious people! No terrorism!" zusammen mit einem Hakenkreuz. Oder die ihnen zurufen: "Ihr wollt keine laute Musik, aber ihr werft Steine auf Araber." Dann schlagen sie zu.

God's Neighbors ist ein Film voller Energie, der einen frischen, ungewohnten Blick auf die Lebensverhältnisse in Israel wirft. Yaesh weckt Verständnis für seine höchst problematischen Hauptfiguren, für meinen Geschmack etwas zuviel, und er zeigt trotzdem die wichtigsten Schattenseiten von Religion, nämlich Unduldsamkeit und Intoleranz, in ungeschönter Form.

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Ein guter Satz blieb mir noch im Gedächtnis, der auch für Filmkritiker ein guter Ratschlag ist: "You are in the same place as your thoughts. Make sure they are in the place, where you wanna be."

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Im Vergleich der beiden Nebenreihen, die 2012 beide mit einem neuen Direktor antraten, schnitt die Quinzaine diesmal deutlich besser ab. Hatte vor einem Jahr die Semaine noch die Nase vorn, machte die Quinzaine diesmal das verlorene Terrain wieder gut und erneuerte ihre Rolle als Sektion zur Entdeckung der wichtigsten neuen Talente des Weltkinos.

Bei der Vorstellung seines Films gab Anurag Kashyap die schöne, aber auch einzig wahre Antwort auf die Frage nach Cannes Bedeutung: "What does Cannes mean for an Indian Filmmaker?" - "For every Filmmaker, it's the Mecca"

Hier alle Berichte aus Cannes 2012.

Angespielt: Risen 2 - Dark Waters

noreply@blogger.com (Oliver Schmitt) — Sat, 26 May 2012 12:53:00 +0000

Screenshot der Redaktion PC Version

Single Player Rollenspiele wie die Elder Scrolls-Reihe oder das kürzlich erschienene Kingdoms of Amalur: Reckoning sind seit jeher einem Publikum verpflichtet, das eine sehr klare Vorstellung in Bezug auf Setting und Atmosphäre hat. Eher selten werden die Kombinationsmöglichkeiten des so offenen Oberbegriffs Fantastik ausgeschöpft. Obwohl das Produkt Videospiel so weit entfernt von jeglicher sozialen Realität zu sein scheint und stärker als alle anderen Medien der fantastischen Imagination verschrieben ist, finden sich hier trotzdem klare Ausprägungen in den Veröffentlichungen wieder. Die scheinbar unterschiedlichen Weltengebäude haben meist eine gemeinsame Schnittmenge aus Elementen der High Fantasy. Mit Risen 2: Dark Waters verhält es sich da zunächst nicht viel anders. Das Spiel des deutschen Entwicklers Piranha Bytes ist ein klassisches Rollenspiel, das sich in seiner Ausarbeitung an bestehenden Normen orientiert. Den Entwicklern ist ein Schritt gelungen, der dem Liebhaber von Third-Person-Rollenspielen ein erfreulich erfrischendes Setting bereitet. Risen 2 entführt den Spieler in die Welt der Piraten und verspricht damit in der Inszenierung der Spielwelt spannende Auswirkungen. Das ist es auch, nach einem ersten oberflächlichen Eindruck von etwa anderthalb Stunden in der Piratenwelt, was die Motivation vermittelt die Segel zu setzen und dem Entdeckerdrang nachzugeben. Ganz abgesehen davon, dass es bisher nur wenig nachhaltige Computerspiele mit Piratenflair gibt, spontan fallen mir da nur die immer noch spielenswerte Monkey Island Reihe, sowie Sid Meier’s Pirates in all seinen Reinkarnationen ein, ist das Zusammentreffen der Risen Macher mit ihrem traditionell subversiven Ansatz aus Sex, Drugs and Roleplaying Games und gesetzlosen Freibeutern ein folgerichtiges Unterfangen.

Die ersten Momente im Spiel unterstreichen diese Annahme, wie sehr das Piratenmotiv mit der spröden, ungehobelten Philosophie des Studios einhergeht. Das Ergebnis ist eine dichte Atmosphäre, die sich aber trotz stimmiger Inszenierung nicht gleich erschließen mag, sondern die nötige tugendhafte Geduld einfordert, die Rollenspielern zugeschrieben wird. Denn bevor der Held ohne Namen seine Reise in die exotische Welt antritt, muss erst noch sehr viel erklärt, geredet und gestikuliert werden. Die epische Geschichte des ersten Teils wird fortgeführt und das aktuelle Vorhaben, den Kampf gegen die Titanen wieder aufzunehmen, in ausladender Breite dargelegt um den Helden in südliche Gewässer zu verfrachten. Das wirkt dann auch etwas umständlich und langatmig bis man endlich am Strand von Takarigua steht und das eigentliche Abenteuer beginnen darf. Der erste Schritt ist es nun Pirat zu werden und sich in ganz typischer Manier des Genres, dass Vertrauen einer Fraktion zu erquesten. Der Ablauf der ersten Aufgaben ist bedingt durch das Setting reizvoll und andersartig genug um diese auch zu verfolgen. Die Vermittlung derselben ist aber in der Regel wenig motivierend. Hier tritt man bei Piranha Bytes, trotz der gelungenen Gestaltung der Spielwelt, in all ihrer ornamentalen Vielfalt, noch sehr auf der Stelle. Die Dialoge sind, ungeachtet der ausgezeichneten Synchronstimmen, mit einer zähen Schwere und Behäbigkeit belastet, die ohne große Varianz kaum Begeisterung zulassen wollen den Sprechern mehr als nötig zuzuhören. Bedingt durch die eingeschränkten Möglichkeiten der Animation wirken die Figuren ähnlich einem Marionettenspiel, hölzern und steif, erinnern dabei eher an die Anfänge des Spielgenres als an ein zeitgenössisches Abenteuerspiel.

Der eigentliche Schauwert erschließt sich aber ganz deutlich nicht aus den Gesprächen mit NPCs, sondern aus der überaus gelungenen Darbietung der Spielwelt, die das Wesen des Piratenseins durch ein vermitteltes Gefühl der grenzenlosen Freiheit gelungen einfängt. Sehnsuchtsbilder im Sonnenuntergang, Ausblicke über tropische Inselwelten, Strandspaziergänge im Mondschein nähren diesen leicht kitschigen Gedanken, der durch die raue Piratenwelt ständig gebrochen wird. Der Auszug in diese fremde Welt, die eigentlich nicht so fremd ist, da sie im kulturellen Gedächtnis mit einer festen Ikonografie versehen ist, macht das Abenteuer aufregend und pittoresk zugleich. Grund genug eine längere Reise anzutreten, die man trotz der gemächlichen Inszenierung oder gerade wegen dieser digitalen Langsamkeit zu einer sinnlichen Erfahrung werden lassen kann.

Screenshot der Redaktion PC Version

Risen 2 - Dark Waters
Piranha Bytes/Deep Silver
Erscheinungstermin: 27.April 2012
USK: 12
Plattform: PC/Xbox360/PS3

Das Girl, das aus der Kälte kam | Cannes 2012

noreply@blogger.com (Rüdiger Suchsland) — Fri, 25 May 2012 21:05:00 +0000

Fritz Lang ist besser als Murnau, Neues von Wong Kar-wai, Nicolas Winding Refn, Harmony Korine und der Anal-Quaida; Cannes-Blog, Folge 9.

Gespräch mit der Wiener Kollegin Alexandra über Reygadas Post Tenebras Lux, den sie ungemein prätentiös findet. "Wie Murnau" sage ich. "Meinetwegen" sagt sie, "aber eben nur wie Murnau, nicht Murnau." "Murnau ist auch überschätzt" antworte ich, "Fritz Lang ist viel besser." Sie: "Natürlich ist er das. Warum sagt das eigentlich keiner?" Müssen wir's halt tun. Hiermit wäre das also jetzt auch gesagt.

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Da sitzen wir nun im "Salle Soixantieme" und warten gespannt. Immer mehr Kollegen strömen herein. Ein mysteriöses "Mystery-Screening" wurde uns angekündigt. Irgendjemand erzählte: Zehn Minuten von Malick und von Tarantino. Ein anderer meint Refn und Wong Kar-wai. Schaun wir mal. "Weinsteins Resterolle, nein danke." lehnte Guiseppe Rapido kühl ab, als ich ihm noch eine sms schrieb.

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Dann tritt Thierry Fremaux vors Publikum und zeigt wieder mal seine Fähigkeiten als guter Gebrauchtwagenverkäufer: Halb französisch, halb englisch moderiert er elegant eine Trailershow, die ganz offenkundig auch den Zweck hat einigen Sponsoren - "cheres amis de Cannes" - einen Gefallen zu tun. Es beginnt mit 5 Minuten Gutmenschlichem: Sean Penn und Paul Haggis tun Gutes in Haiti, Penn vor allem ist offenbar ein Tausendsassa, der überall selbst mitanpackt, Sandsäcke schleppt und Kubikmeter vermisst, baggert und dabei das große Wort führt. Fehlt nur noch, dass man ihn im OP das Skalpell führen sieht.
Dazu läuft schlechte Musik, und unwillkürlich frage ich mich, ob es in Haiti eigentlich schon McDonalds gibt.

Dann ist Disney mit seinen Verkaufsfilmchen an der Reihe: Chimpanzés geht über Schimpansen - "Sie sind wie wir.", dann Pixar: Brave.

Dann legt Fremaux wieder los: "What is coming now, is subtitled. But it's very french, what we will be seeing now - I am very sorry for that." Lachen im Saal. Es folgt ein längerer Trailer zu Porn in the Hood, bestimmt eine ziemliche Dödelkomödie, die ich trotzdem witzig finde, weil da von einem Porno die Rede ist, der Anal-Quaida heißt…

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Dann wird's ernst: Ein paar Minuten aus Spring Breakers von Harmony Korine, bei dem es in sehr sehr poppigen Farben offenbar um vier leichtbekleidete Ami-Mädels geht, die einen Bankraub begehen, und auch sonst ihren Spaß haben. Man sieht viel nackte Haut und alles wirkt eher wie ein Film von Larry Clark.

Der nächste Film spielt in Thailand. Es ist Nacht, man sieht einen langen Gang, eine Table-Dance-Bar, rotes Neonlicht, es läuft der Song: Stay away from me, und auf einer Couch sitzt einsam Ryan Gosling. Dann steht er auf und prügelt zwei Asiaten brutal zusammen. Alles sehr 80er, handfest, wirkt wie eine Fortsetzung von Drive und ist tatsächlich ein ungeschnittener Auszug aus Only God Forgives, dem neuen Film des ungewöhnlichen Dänen Nicolas Winding Refn, der uns alle hier vor einem Jahr mit offenem Mund staunend zurückließ.

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Zumindest um den letzten Ausschnitt darf Guiseppe Rapido dann doch etwas neidisch sein (und war er später auch): Eis und Schnee über Pflanzen, alles Grau, Weiß, Blau, eine Tochter redet aus dem Off über ihren Vater. Gespielt wird sie von Zhang Ziyi. Dann sieht man einen Alten, bei Kampfkunst-Übungen im Innenhof eines alten chinesischen Hauses. "It's a pity, I am not a man." sagt Zhang Ziyi, dann übt sie selbst, und die Kampfbewegungen sehen aus wie ein Tanz, draußen im Schnee, im blauen Kleid. Ein Girl, das aus der Kälte kam. Das Wichtigste sagt sie, sei der "Code of Honor"…

Das seien, so Fremaux, exklusiv für heute Abend geschnitten, 5 Minuten aus The Grandmasters, dem neuen Film von Wong Kar-wai. Den wollen wir sofort sehen. Ganz!

Hier alle Berichte aus Cannes 2012.

The Dark Knight Rises mit Christian Bale - 2 erste TV Spots

noreply@blogger.com (Kadir Güngör) — Fri, 25 May 2012 19:11:00 +0000

Tom Hardy als Bane in Christopher Nolans The Dark Knight Rises, dem Abschluss seiner Batman-Trilogie. Bild: Warner Bros. Pictures

Noch zwei Monate dauert es bis, bis Batman (Christian Bale) in Christopher Nolans The Dark Knight Rises zurückkehrt, um das Böse zu stoppen, das sich in Form von Bane (Tom Hardy) erhebt. Da der Kinostart immer näher rückt, wurden nach dem Trailer erstmals zwei TV-Spots auf einmal veröffentlicht, die ihr weiter unten sehen könnt.

Wir erinnern uns: Batman nahm die Morde von Harvey Dent auf sich, damit die Bürger von Gotham weiterhin an ihn glauben konnten. Denn Hoffnung ist wichtig. Wie die Menschen in Gotham City die Rückkehr des Fledermausmannes mit dem universellen Utility-Belt aufnehmen werden, wie Bane Gotham zerstören will, ob er dabei wie in den Comics auch Batmans Wirbelsäule miteinbezieht und welche Rolle Selina Kyle/Catwoman (Anne Hathaway) bei all dem spielt, erfahren wir am 26. Juli, wenn der Action-Thriller hierzulande in den Kinos anläuft.

Neben Christian Bale als Bruce Wayne/Batman kehren auch viele andere Schauspieler in ihren Rollen aus den Vorgänger-Filmen zurück. So Gary Oldman als Commissioner Gordon, Morgan Freeman als Lucius Fox und Michael Caine als Alfred. Außerdem wird Liam Neeson in einem kurzen Auftritt als Ra's al Ghul zurückkehren. Erstmals anzutreffen sind neben Tom Hardy und Anne Hathaway hingegen Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard und Matthew Modine. Das Drehbuch schrieb Regisseur Christopher Nolan erneut zusammen mit seinem Bruder Jonathan und dem Comic-Spezialist David S. Goyer.

Hier nun die Spots:

Teufels Werk und Sünders Beitrag | Cannes 2012

noreply@blogger.com (Rüdiger Suchsland) — Fri, 25 May 2012 18:53:00 +0000

Das Licht des Kinos und die Dunkelheit der Welt und der Werkzeugkasten des Satans; Cannes-Blog, Folge 8.

"Will Mexico ever win the World Cup?" - vielleicht ist das überhaupt die wichtigste Frage in dem Film Post Tenebras Lux vom Mexikaner Carlos Reygadas. Wir haben hier noch gar nicht die Bilanz des Championsleague-Finales gezogen, das hier am letzten Samstag alle geguckt haben, statt Thomas Vinterbergs dänischem Jagten, den wir jetzt am Sonntag nachholen werden. So richtig, wie es diesem Ereignis gebührte, werden wir das, fürchte ich, auch nicht nachholen können. Dabei hätte es alle Aufmerksamkeit verdient. Denn so wie dieses Fußballspiel war, möchte man auch das Kino: Spektakel, großes Drama, Spannung bis zur letzten Sekunde und Schicksalgeschichten - wie jene von Frankreichs Didier Drogba, der im blauen Trickot des FC Chelsea erst kurz vor Schluss das rettende Ausgleichtor schoss, dann in der Verlängerung einen Elfmeter verschuldete, und damit quasi das Schicksal seiner Mannschaft besiegelte, und dann, als es doch noch zum Elfmeterschießen kam, den letzten, alles entscheidenden Elfmeter verwandelte. Oder jene von FC Bayern-Spieler Arjen Robben, der quasi mit Ansage den Drogba-Elfer verschoss und damit die beste Chance des Spiels und die Vorentscheidung für seine Mannschaft persönlich versiebte. Und damit den zweiten Titel, weil er ja bereits im vorgezogenen Finale gegen Borussia Dortmund den möglichen Ausgleich per Elfmeter nicht verwandeln konnte. Mit ihm würde man sich dieser Tage gern mal über das Schicksal und die Macht des Teufels unterhalten.

Oder mit Bayern-Trainer Jupp Heynckes, der bei all seiner Erfahrung das Offenkundige nicht sehen konnte, das, was jeder Fußballfan, der das Spiel verfolgte, sofort begriff, und wie von den Göttern mit Blindheit geschlagen, den Abwehrspieler Van Buyten für den Torschützen Thomas Müller einwechselte - und damit seiner Mannschaft signalisierte: Wir sind durch Jungs, wir haben's geschafft, ihr könnt nachlassen. Jeder, der sah, ahnte: Hybris, die sofort bestraft werden wird. Und sie wurde. Heynckes verstieß gegen alle Regeln des Fußball-Karmas, gegen das, was Hunderttausende intuitiv wissen. So wie Fürths Trainer Michael Büskens am 20. März, als er im DFB-Halbfinale gegen Dortmund den angeblichen Elfmeterkiller Jasmin Fejzic für Max Grün einwechselte - zwei Minuten vor dem Elfmeterschießen. Und in dem Moment wusste man: Es würde nicht dazu kommen.

Fußball ist ein Schicksalsereignis, und das kann man vom Kino leider so nicht sagen. Besser wär's aber. Kaum ein Film, den wir hier gesehen haben, fesselte die Gemüter ähnlich, hatte ähnliches Aufregungs- und Emotionspotential wie Fußball. Noch Tage später redete man hier über das Finale. Der britische Kollege Nick James (Sight & Sound), selbst Manchester United-Fan, freute sich zum Beispiel, dass erstmals ein britisches Team gegen ein deutsches ein Elfmeterschießen gewinnen konnte. Aber es geht hier nicht nur um dieses eine Spiel. Dem britischen Wahlhamburger Andrew Bird, Cutter von unter anderem Fatih Akin, konnte man gratulieren, weil sein Lieblingsclub West Ham United den direkten Wiederaufstieg in die Premier League geschafft hatte. Und mit den gebeutelten FC Barcelona-Fans aus Spanien werden wir nachher das spanische Cubfinale zwischen Barca und Athletic Bilbao angucken.

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Ansonsten glüht die Sonne wieder heiß über Cannes, dafür verdüstern sich die Seelen der Filmfiguren zusehends. Immerhin Nicole Kidman, nicht mehr ganz so schön wie früher, aber immer noch strahlend wie eh und je und im roten Kleid, das sich prächtig zu ihrem blonden Haar und vor der sonnig-blauen Kulisse des Mittelmeeres machte, brachte Licht an die Croisette - einer der letzten Weltstars, die das diesjährige Festival von Cannes besuchen, zur Premiere des im Übrigen hundsmiserablen US-Films The Paperboy - bevor am Samstag dann die letzten zwei Wettbewerbsfilme laufen und am Sonntagabend die Goldene und die Silbernen Palmen verliehen werden - die begehrtesten Preise des Weltkinos, noch vor den Oscars, die ja nur Hollywood-Filme gewinnen können.

In der zweiten Hälfte werden die Filme des Wettbewerbs stärker und stärker und die mit einem italienischen Präsidenten, zwei Briten, zwei Franzoen, einer francophilen Deutschen und einem in Paris lebenden Afrikaner, aber nur einem Nordamerikaner, gar keinem Lateinamerikaner oder Asiaten überaus einseitig europalastig besetzte Jury wird es nicht leicht haben mit ihrer Entscheidung.

Zwei schwierige, intellektuell wie stilistisch herausfordernde Filme drängten sich zuletzt in den Favoritenkreis: Post Tenebras Lux vom Mexikaner Carlos Reygadas und V Tumane vom Russen Sergei Loznitsa.

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Post Tenebras Lux besticht zunächst durch sein ungewöhnliches Bildformat: 5:4 sieht fast quadratisch aus, man kennt es vor allem aus dem Stummfilm. Und wie beim deutschen Expressionisten F.W. Murnau (Faust, Nosferatu) ist auch hier der Bildrand bewusst etwas unscharf, also dem Blick des menschlichen Auges nachempfunden. Fish-eye. Zunächst fängt alles ganz harmlos an, mit einem Mädchen, das an einem Spätnachmittag auf einem grünen, regenfrischen Feld mit Kühen und Hunden spielt. Im Hintergrund sieht man auch Maulesel. Die Kamera zeigt alles auf Augenhöhe des Mädchens. Dann beginnt ein heftiges Gewitter, und es wird dunkel…

Schon im nächsten Bild ist es vorbei mit der Idylle, wenn es denn eine war, denn des Nachts schleicht sich ein glühendrotes Wesen ins Haus und ins elterliche Schlafgemach. Der Teufel persönlich!

Er ist leuchtendrot, mit Hufen und Ringelschwanz, eine Animation, die im ersten Moment fast lächerlich wirkt, durch ihre langsamen kontrollierten Bewegungen und die totale Stille, die mit ihr einhergeht, aber schnell zu einem Horrorbild wird. Dieser Teufel trägt überdies, bizarrerweise einen Werkzeugkasten mit sich. Dann ist es Morgen.

Schnell versteht man, dass man es hier mit einer Familie zu tun hat - Vater, Mutter, zwei Kinder. Sie kommen aus der Stadt, und haben sich auf dem Hochland eine Farm gekauft. Man ist wohlhabend bis reich, hat helle Hautfarbe und indigene Arbeiter und Bedienstete, die sich ums Vieh kümmern. Der Alltag Mexikos, Rassen- und Klassenfragen, sind sehr präsent. Im Folgenden wird aber Post Tenebras Lux nun zu einer Höllenfahrt. Der Titel spielt nicht etwa auf die Bibelstelle an, nach der Gott das Licht schuf, sondern auf eine Hiob-Stelle. Was gut passt, denn der Familienvater hat hier einiges zu erleiden: Er wird zum Sadisten, drangsaliert Hunde und Familie. Er wird überfallen, angeschossen, stirbt. Vor dem Tod bekennt der Vater noch die Liebe zu allen Dingen. Die schrecklichsten Dinge werden mit der Stimme der Kinder erzählt. Post Tenebras Lux ist auch das Motto der protestantischen Reformation.

Wichtiger als die schwer verständliche Story sind starke Bilder (und eine sehr schöne Kamera) und schräge Einfälle: In einem Swingerclub heißt ein Raum "Duchamps", ein anderer "Hegel". Am Ende werden im Wald Bäume gefällt, warum wissen die Götter. Und der Sünder reißt sich selbst auf dem Acker den Kopf ab! Dann regnet es roten Regen. Zuerst Stöhnen im Saal, dann verlegenes Kichern. Auch eine Szene gibt es, in der etwa zehnjährige Jungens Rugby spielen - und leider weiß ich auch nicht, was das mit dem Rest zu tun hat. Aber ich hab's gern gesehen.

Keine Frage also: Reygadas' Film ist zweifellos spannend, stellenweise sehr schön, nervt aber auch in seiner Form mitunter stark. Am Ende der Vorstellung rief einer "Viva Bunuel!" Das war wohl eher spöttisch gemeint.

Man könnte auch sagen, dass es Reygadas mit seinem Ehrgeiz ein bisschen übertreibt: Er möchte gleichzeitig Terrence Malick sein, und Bruno Dumont und Aleksandr Sokurov und ein Skandalregisseur vom Schlage Lars von Triers. Das ist vielleicht etwas viel. Immerhin den ersten Preis hat er schon gewonnen: Er bekam gerade den Preis "Les Artisans" der unabhängigen Filmkritik um den Direktor des Kurzfimfestivals von Verona Ugo Brusaporco verliehen.

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Mitten im Dunkeln blitzt es auf einmal. Ein Eingriff Gottes in den Wettbewerb von Cannes? Post tenebrum lux? Nein, nur der Blitz einer Kamera - es muss wohl ein russischer Film sein, der gerade läuft. Die letzten Nationalisten Europas, falls Russland denn überhaupt zu Europa gehört, sind ja die Russen, und ihr patriotisches Fantum führt dazu, dass sogar Kinoleinwände während der Vorstellung aufgenommen werden.

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Auch V Tumane vom Russen Sergei Loznitsa ist ein Schuld und Sühne-Drama, diesmal angesiedelt in der deutschbesetzten Ukraine um 1942/43. Eine Gruppe von Bauern entzweit sich, als einer von ihnen, ein Partisan, einen anderen, seinen unter Kollaborationsverdacht stehenden Kindheitsfreund, hinrichten soll. Von Anfang an erscheinen die drei Hauptfiguren als Verdammte, am Ende sind sie alle tot. Ein quälender, schwerblütiger, bedeutungsschwangerer Männerlaberscheiß, völlig unnötig in die Länge gezogen. Aber gerade weil Loznitsa deutlich visuell bescheidener erzählt als Reygadas, ist sein Film konsensfähiger, weil leichter verständlich und vermeintlich inhaltlich "wichtiger". Genau das wird hier am Ende gewinnen, es ist medioker genug.

Hier alle Berichte aus Cannes 2012.

Bela Tarr schließt seine Produktionsfirma TT Filmmuhely

noreply@blogger.com (Kadir Güngör) — Fri, 25 May 2012 18:36:00 +0000

Béla Tarr. Foto: KoljaHub

Der ungarische Filmemacher Béla Tarr hat das Filmstudio TT Filmmuhely geschlossen. Das Studio sei das Opfer des beunruhigenden Trends in Ungarn geworden, wo künstlerische Freiheit und Kreativität vom Staat kaum noch geduldet und der Kulturbetrieb durch verschiedene staatliche Reformen zur Kontrolle gezwungen wird. Dadurch wurden vielen ungarischen Filmwochen, Festivals, etc. die staatlichen Fördergelder entzogen, so auch dem Filmstudio TT Filmmuhely. Der Regisseur Béla Tarr von Filmen wie Das Turiner Pferd und Sátántangó äußerte sich zur Studioschließung wie folgt:

Wir haben keine andere Wahl, als zu akzeptieren, dass, trotz all unserer Bemühungen, unsere Situation unhaltbar geworden ist. Es tut uns sehr leid, dass wir nicht mehr in der Lage sind weitere Projekte zu unterstützen und zu realisieren, in die wir unser Vertrauen gesetzt und viel Energie investiert hatten.

Eine ausführliche Besprechung der aktuellen politischen Situation in Ungarn findet ihr hier, eine Kritik zu dem bereits erwähnten Film von Béla Tarr Das Turiner Pferd ist ebenfalls auf unserer Seite zu finden.

Lawless von John Hillcoat - 2 Film-Clips

noreply@blogger.com (Kadir Güngör) — Fri, 25 May 2012 18:18:00 +0000

Beim kommenden Film von Regisseur John Hillcoat handelt es sich um Lawless, der auch beim gegenwärtigen Wettbewerb in Cannes teilnimmt und auf wahren Begebenheiten beruht. Nach dem Trailer, der hier zu sehen ist, sind nun zu dem Gangster-Drama sind zwei Film-Clips erschienen, die weiter unten angesehen werden können.

In Lawless dreht sich alles um die Bondurant-Brüder, die während der Zeit der amerikanischen Prohibition in den 20er- und 30er-Jahren eine Schwarzbrennerei eröffnen und es mit der fanatischen Justiz zu tun bekommen. Rüdiger Suchsland, berichtet regelmäßig in seinem Blog von den Filmfestspielen in Cannes und konnte sich Lawless bereits zu Gemüte führen. In seinem Text Feuer und Eis erläutert er kurz den Film.

Die drei Bondurant-Brüder werden von Tom Hardy, Shia LaBeouf und Jason Clarke verkörpert. Neben Guy Pearce sind noch Gary Oldman, Jessica Chastain und Mia Wasikowska in diversen Rollen zu sehen. Nick Cave verfasste das Drehbuch auf Grundlage von Matt Bondurants Roman The Wettest County in the World.

Hier die Clips:

I Killed Adolf Hitler - Iron Sky Regisseur verfilmt Comic

noreply@blogger.com (Daniel Blum) — Fri, 25 May 2012 16:37:00 +0000

Iron Sky Copyright: Splendid Film

Der finnische Regisseur Timo Vuorensola scheint Gefallen an abstrusen Nazi-Geschichten zu haben. Auf der Berlinale 2012 präsentierte er dieses Jahr den Sci-Fi Klamauk Iron Sky über eine Nazi-Enklave auf dem Mond. Unsere Kritik zu Iron Sky könnt ihr hier nachlesen. Jetzt hat der Finne sein nächstes Projekt an Land gezogen. I Killed Adolf Hitler ist die filmische Umsetzung des vielfach prämierten gleichnamigen Comics des norwegischen Zeichners Jason.

In I Killed Adolf Hitler reisen zwei britische Profikiller ins München der 1920er Jahre zurück, um den zukünftigen Tyrannen vor seinem Aufstieg zu stoppen und zu töten. Das besondere an dem Film wird sein, dass Adolf Hitler erstmals durch CGI-Effekte zum Leben erweckt wird. Für die Spezialeffekte wird die gleiche Firma verantwortlich sein, die schon in Iron Sky ihr Talent zu Schau stellte. Das Drehbuch schrieb der Amerikaner D.C. Walker. Die Produktion übernimmt die deutsche Produktionsfirma Niama-Film. Gedreht wird ab 2013 in London und Berlin.

Wann der Film dann letztendlich fertigestellt sein und erscheinen wird, steht derzeit noch nicht fest.

David Bordwell: Pandora's Digital Box: Film, Files, and the Future of Movies - jetzt downloadbar

noreply@blogger.com (Daniel Blum) — Fri, 25 May 2012 16:14:00 +0000

Der Filmhistoriker David Bordwell hat ein neues Buch geschrieben. In Pandora’s Digital Box: Film, Files, and the Future of Movies warnt er vor den Folgen der Digitalisierung des Films. Das Werk wurde erst kürzlich als Download veröffentlicht.

Einleitend erläutert er, dass er sich immer gewundert habe, wie es sich wohl anfühle, eine Zeit des Umbruchs im Film mitzuerleben. Sei es nun der Wechsel von Stumm- auf Tonfilm oder die Einführung des Breitbandformates. Immer haben diese technischen Neuerungen eine andere Wahrnehmung von Film mit sich gebracht. Heute ist sich David Bordwell sicher, in einem Moment eines solchen Umbruchs zu leben. Die Rede ist von der Digitalisierung des Films.

Seitdem die großen Verleihe sich dazu entschieden haben, auf digitale Formate zu setzen und die klassischen 35mm Filmrollen zu vernachlässigen, sind die Kinos weltweit dazu gezwungen, auf die neue Technik umzurüsten. In den letzten zehn Jahren haben digitale Filmvorführungen allmählich die Oberhand gewonnen und sich fest etabliert. Doch für viele kleinere Kinos ist die Umrüstung schlichtweg zu teuer, weshalb Bordwell vor allem Risiken im sozioökonomischen Bereich sieht. Hält die Digitalisierung weiter an, wird es für viele Kinobetreiber nicht mehr möglich sein konkurrenzfähig zu bleiben, was letztendlich zur Schließung der Kinos führt. Bordwell zitiert einen Sprecher der National Association of Theatre, der behauptet, dass bereits Ende 2013 alle Vorführungen in den USA digital sein können.

Viele der Zuschauer würden wahrscheinlich nicht einmal den Unterschied zwischen einem 35mm Bild und einem digitalen unterscheiden können. Auch darin erkennt Bordwell die Gefahr: Das Verlorengehen des Verständnisses von Film, was ihn ausmacht, wo er herkommt.

Das E-Book von Pandora’s Digital Box: Film, Files, and the Future of Movies kann man hier herunterladen. Mehr Infos zu David Bordwell gibt’s auf seinem Blog.

Abraham Lincoln Vampirjäger - neuer FSK 18 Trailer

noreply@blogger.com (Daniel Blum) — Fri, 25 May 2012 16:06:00 +0000

Abraham Lincoln haut rein. Copyright: 20th Century Fox

20th Century Fox hat zu Abraham Lincoln Vampirjäger einen exklusiven FSK 18-Trailer veröffentlicht. Bei dem neuen Film von Wanted-Regisseur Timur Bekmambetov handelt es sich um die Verfilmung des gleichnamigen Romans von Seth Grahame-Smith aus dem Jahr 2010. Produziert wird das Ganze unter Anderem von Tim Burton. Die Titelrolle übernimmt Benjamin Walker.

Nachdem die Mutter des kleinen Abe von einem Vampir getötet wurde, beschließt dieser Rache an den untoten Wesen zu nehmen und fortan diese zu jagen. Als er schließlich zum 16. Präsidenten der Vereinigten Staaten von Amerika gewählt wird, erfährt er, dass die Vampire versuchen, das Land zu erobern. Nun liegt es an ihm, sie zu stoppen. Der Film vermischt dabei tatsächliche Ereignisse aus dem Amerikanischen Bürgerkrieg mit einer actionreichen Vampirjägergeschichte. In weiteren Rollen zu sehen sind Mary Elizabeth Winstead als Lincolns Frau und Rufus Sewell als sein Gegenspieler und Anführer der Vampire.

Abraham Lincoln Vampirjäger erscheint am 3. Oktober in den deutschen Kinos. Den bisherigen Trailer könnt ihr euch ebenfalls hier bei uns anschauen. Hier nun der neue Red Band-Trailer:

Men in Black 3

noreply@blogger.com (Simon Born) — Thu, 24 May 2012 23:39:00 +0000

"Stell keine Fragen, auf die du die Antwort nicht wissen willst." Von allen Geheimnissen des Universums, denen Agent J (Will Smith) in seiner 15-jährigen Dienstzeit für die Men in Black, der Geheimorganisation zur Bewahrung einer friedlichen Koexistenz zwischen außerirdischen Einwanderern und unwissenden Erdbewohnern, begegnete, bleibt sein abgebrühter Partner Agent K (Tommy Lee Jones) das größte. Kein freundschaftliches Bier nach Feierabend, keine persönlichen Gespräche, nicht einmal ein Lächeln hat J dem wortkargen Dinosaurier je abgewinnen können. Als ein Geist aus Ks Vergangenheit in Form des entflohenen Alien-Verbrechers Boris The Animal (Jemaine Clement) für Ärger sorgt, ist J gezwungen, in die Zeit der 1960er Jahre zurück zu reisen, um sowohl seinen Partner wie auch die gesamte Welt vor der Vernichtung zu retten. Ihm zur Seite steht eine jüngere, adrette Version von K (Josh Brolin), die sich zu Js Überraschung als relativ kommunikativ entpuppt. Was ist dem jungen K von damals widerfahren, dass aus ihm der knurrige Knochen von heute wurde?

Nach einem eher mauen Sequel führt Men in Black 3 das Blockbuster-Franchise souverän auf seine Wurzeln zurück. Dabei extrahiert Regisseur Barry Sonnenfeld die beiden Hauptzutaten des Men in Black-Erfolgsrezeptes und spielt sie in der vierten Dimension neu durch: Die detailreich-ausgearbeitete Sci-Fi-Welt der Filmreihe sowie die charmante Buddy-Geschichte zwischen den beiden Protagonisten.

Sie sind mitten unter uns: Die Men in Black-Filme greifen die altbewährte Paranoia vor einem extraterrestrischen Besuch aus den US-amerikanischen Science Fiction-Filmen der 50er auf und verkehren sie in eine gewitzte Variante der melting pot-Ideologie. Aus der Angst vor dem Fremden wird die Toleranz des Andersartigen mit der Stadt New York als Zentrum und Symbol des interkulturellen Austauschs über nationale und interstellare Grenzen hinaus. Jeder ist im Land der unbegrenzten Möglichkeiten willkommen, ungeachtet seiner Herkunft, Hautfarbe, oder der Anzahl seiner Gliedmaßen - Vorausgesetzt, er hält sich an die Spielregeln. Der fantastische Film der Gegenwart zeichnet sich gerade dadurch aus, keine geschlossenen Gegenwelten zur Wirklichkeit à la Mittelerde mehr zu entwerfen, sondern vielmehr mit Parallelwelten aufzuwarten, die mit der unseren eng verwoben sind. Seien es nun Hexen und Zauberer (Harry Potter), Märchenfiguren (Once Upon a Time) oder Vampire (True Blood), das Übernatürliche ist unlängst in unsere Nachbarschaft eingezogen.

Aus diesem Grund fällt den Kostümbildnern, Kulissenbauern, Masken-Künstlern und Special Effect-Meistern eine große Bedeutung zu: Ihre Aufgabe ist es, die Filmwelten so exotisch und plausibel wie möglich zu gestalten. So besteht der Reiz der Men in Black-Filme in einer ausgeklügelten, mit allerlei Feinheiten ausstaffierten Mise-en-scène, die auf eine reich möblierte Welt jenseits des Bildausschnittes hindeutet. Seit der ersten Stunde ließen sich vor allem Setdesigner Bo Welch und der legendäre Maskenbildner Rick Baker von der Drehbuchvorlage inspirieren, die Men in Black-Filme mit spektakulären Bauten, abgefahrenen Waffen und Fahrzeugen sowie den verschiedenartigsten Alienwesen auszustatten. Die Szenen im MIB-Hauptquartier avancierten sich zu visuellen Höhepunkten, erst beim zweiten, dritten, vierten Schauen können die Raffinessen, die sich im Bildhintergrund der Handlung abspielen, ausgemacht werden. Oder haben Sie beim ersten Sehen alle prominenten Alien-Cameoauftritte ausfindig machen können, die imdb zum ersten Men in Black-Film auflistet?

History Revisited. Men in Black 3 schafft es, seine Vorgänger an Schauwerten zu übertreffen - nicht wegen der Ausdehnung in der räumlichen Dimension dank solider, aber nicht überragender 3D-Technik, sondern wegen der Ausdehnung in der Zeit. Durch den Zeitreise-Plot wird dem Zuschauer zur gewohnten außerirdischen Umwelt eine zweite, bildgewaltige Parallelwelt geboten: die Vergangenheit. Klobige Ausrüstungen, unverkennbare Haarschnitte und ein eigenwilliger Einrichtungsgeschmack lassen das Kuriose der Men in Black-Filme noch kurioser wirken. Doch nicht nur die Menschen, auch die Außerirdischen von damals sahen anscheinend irgendwie anders aus. Im liebevollen Retrolook greifen die campigen Alien-Kostüme und Latexmasken Ikonen der Science Fiction-Artworks der Zeit auf. Pop-Art, futuristische Architektur und Trash-Träume aus Alu-Folien verwandeln die bunten 60er zum wahrscheinlich engsten Berührungspunkt unserer Welt mit dem Überirdischen in der Kulturgeschichte der Menschheit. Kaum eine andere Epoche war für die Vielseitigkeit des Fremdartigen so empfänglich. In der Zeit von Mondlandung, Weltraum-Euphorie und Befreiungsbewegungen hat die Gesellschaftsutopie des Men in Black-Multiversums also ihre Keimzelle gefunden.

Neben der im Bild veräußerlichten Sci-Fi-Themenwelt des Films hat Men in Black 3 sein zweites Standbein in dem dynamischen Spiel zwischen den beiden Hauptfiguren Agent J und Agent K. Kern des high concepts der Men in Black-Reihe bildet nämlich die erfolgreiche Formel des buddy movies, in dem zwei ungleiche Partner trotz anfänglicher Reibereien die dicksten Kumpels werden. Folglich konzentriert sich die Handlung von Men in Black 3 auf die Ergründung der Beziehung zwischen J und K. Wie sich herausstellt, beruht sie nicht nur auf dem gewohnt komischen Schlagabtausch gegensätzlicher Typen, sondern auf dem Konflikt eines jungen Querkopfs mit seiner Vater-Ersatzfigur. Ein Generationskonflikt. Unfähig, die Schale des alten Ks zu durchbrechen, versucht J mit Hilfe des jüngeren K die Geheimnisse aufzudecken, die ihm der alte K vorenthält. In einem beeindruckendem Zusammenwirken erweitert das Dreiergespann Smith, Jones und Brolin die einfache Partnerschaft der Agenten J und K zu einer durchaus facettenreichen Männerfreundschaft - eine ungewöhnliche Duo-Perfomance dreier Schauspieler.

Eines der interessantesten Punkte an Men in Black 3 ist vielleicht, dass der Film sich trotz Typenkomödie, Dialogwitz, viel Ironie und gelegentlichem Slapstick vordergründig nicht als Komödie präsentiert. Sonnenfeld nimmt den Humor seines Filmes ernst. Er versucht, die Pointen des Drehbuchs von Comedy-Routinier Etan Cohen dem Zuschauer eher trocken als gewollt komisch aufs Auge zu drücken. Beispielhaft lässt sich das an der Filmmusik von Danny Elfman ablesen: Groovige E-Gitarren-Riffs, entfesseltes Schlagwerk und ein gelegentlich hereinbrechender Frauenchor, der entfernt Erinnerungen an Tim Burtons Sci-Fi-Parodie Mars Attacks! hochkommen lässt, werden hier mit ruhigen Gitarrenklängen und hohen Streichern vermischt, um die Balance zwischen Komik und Emotionaliät zu wahren. Sonnenfelds Helden sind komisch, aber nicht lächerlich.

The bigger picture. Science Fiction, buddy-Komödie, Vater-Sohn-Konflikt und 3D-Action: In Men in Black 3 fügen sich die Elemente zu einem vergnüglichen Ganzen zusammen, bekömmliches Unterhaltungskino für jeden. Gelegentliche plot holes des Films - Zeitreise wirft in jeder Geschichte unweigerlich Unstimmigkeiten in der Handlungslogik auf - werden geschickt von der Figur des hellsichtigen Aliens Griffin (Michael Stuhlbarg) relativiert. Unser Zeitstrahl sei nämlich nur einer von vielen, dessen Eintreffen in der unendlichen Gleichzeitgkeit aller Möglichkeiten derart von Zufall und Unwahrscheinlichkeit geprägt sei, dass jeglicher Glaube an eine Kausalität der Ereignisse obsolet werde. Hier schließt sich der Kreis zur zynischen Transzendenz der vorherigen Men in Black-Teile: Am Ende jedes Films lässt der Blick auf das große Ganze unseren kleinen, blauen Planeten zu einem unfassbar unbedeutenden Pünktchen zusammenschrumpfen - Sei es, dass unsere Galaxie nicht mehr als eine winzige Murmel ist, mit der sich höhere Wesen im Spiel ihre Zeit vertreiben oder eines unter Millionen Schließfächern im langen Bahnhofsgang des Universums. Wie schon Kultautor Douglas Adams in Das Restaurant am Ende des Universums formulierte: "In an infinite universe, the one thing sentient life cannot afford to have is a sense of proportion."

Men in Black 3 - Pressespiegel auf film-zeit.de

Men in Black 3
R: Barry Sonnenfeld
B: Etan Cohen
K: Bill Pope
D: Will Smith, Tommy Lee Jones, Josh Brolin, Jemaine Clement, Michael Stuhlbarg, Emma Thompson, Nicole Scherzinger
USA 2012, 103 Min
Sony Pictures
Start: 24.05.12

Sodom und Godzilla | Cannes 2012

noreply@blogger.com (Rüdiger Suchsland) — Thu, 24 May 2012 21:15:00 +0000

Menschen, Monster und Maschinen: Öffentliche Filme, private Filme und weiter mit Carax; Cannes-Blog, Folge 7.

Ein Sendbote der Unterwelt also, oder ein gefallener Engel ist "Monsieur Oscar" die von Leos Carax' Lieblingsschauspieler Denis Lavant gespielte, in immer neue Identitäten schlüpfende, in einer Luxuslimousine durch Paris flanierende Hauptfigur von Carax' neuem Film, der auch einen Tag nach seiner Premiere viele Zuschauer ratlos, aber auch fasziniert zurücklässt.

Wie soll man sich dies bloß erklären, was will Carax uns sagen oder zeigen oder vermitteln? Einmal ist dieser Oscar ein "Monsieur Merde" der unglaublich hässlich ist, mit wildem, roten Bart und langen kralligen Fingernägeln. Wie ein Satyr. Oder auch wie das Monster aus La Belle et la Bete. Ein fleischlicher Ausdruck unseres Unterbewussten, von Angst und Phobie. Er steigt auf einen großen Friedhof heraus aus einem Grab, er kommuniziert nicht, es sei denn durch Sabbern und Gurgeln, sondern tut schreckliche hässliche Dinge, die alle entsetzen. Er verschreckt die Menschen, denen er über den Weg läuft, frisst Blumen, die Haare der Menschen, beißt ihnen Finger ab, und hält erst inne, als er eine Frau sieht, ein Model bei einem Fotoshooting - und wenn man so will als Ausdruck absoluter Schönheit das vollkommene Gegenstück zu ihm, dem Symbol absoluter Hässlichkeit. Eva Mendes spielt sie, mit leisen Anklängen an die junge Brigitte Bardot.

Oscar ist auch ein Banker, ein Killer, eine bettelnde Zigeunerin, ein sterbender Mann, ein Vater. Am Schluss kommt Oscar über Nacht zu einer anderen Familie. Ehefrau und Kinder werden von Schimpansen gespielt - nein, das kann Carax doch nicht machen? Doch, er kann.

Ganz am Schluß reden in einer großen Garage dann auch die Luxusautos selber miteinander: "Men don't want visible maschines any more... no more technics"

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Zumindest dieses letzte Bild erklärt der sich sonst eher maulfaul gebende Carax später bei der Pressekonferenz: Er fände diese Autos "tres beau, tres attachant", sie seien "Bestien", "tres bling bling", aber auch zwischen Bestien gebe es Solidarität. "Ich mag Maschinen und Motoren. In digitalen Kameras aber gibt es keine Motoren mehr."

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Die wohl allerbeste, zumindest allerschönste Szene des Films, in der dieser auch endgültig seine Richtung findet, ist jene Episode, in der Oscar auf eine Frau mit kurzen blonden Haaren und Trenchcoat trifft, die von Kylie Minogue gespielt wird. Die beiden gehen in das traditionsreiche Jugendstil-Kaufhaus "Samaritaine", das direkt an der Seine liegt, neben der Pont Neuf. Heute steht das vollständig denkmalgeschützte Kaufhaus leer, wird in ein Luxushotel umgewandelt. In den leeren Hallen dieses Relikts der alten Moderne, zwischen den alten Stahlträgern, Treppen und Jugenstilgeländern singt Minogue ein melancholisches Lied: "Who are we? Who are we? Where were we, when we were who we are? I was a child". Auch die Dialoge kreisen um Vergänglichkeit und die zweite Chance, die es nicht gibt.

Immer wieder gibt es wunderschöne, im guten Sinne kitschige Szenen, wie diese, die in ihrem unverhohlen romantischen Charakter am ehesten an Wenders Der Himmel über Berlin erinnern. Dann aber ist es wieder pure Geschmacklosigkeit.

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Das Problem ist ja nicht, das Carax keine gute Ideen hätte, oder keine Phantasie. Das Problem ist, dass er keinen Geschmack hat. Und darum immer wieder Hässlichkeit, Ekel und Kitsch abfeiert. Und auf der Tonebene trifft sich Symphoniemusik mit dem Soundtrack von Godzilla.

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Wie schon erwähnt: Es ist gar nicht so leicht, über diesen Film zu schreiben, wenn man ihm gerecht werden will. Vielleicht muss man auch noch erzählen, wie es war ihn zu sehen. Denn nach der sehr schönen rätselhaften Auftaktsequenz (die ich im vorigen Blog beschrieben hatte) ist man erstmal sehr irritiert. Holy Motors ist offenkundig unglaublich prätentiös, auch wenn er kaum weniger offenkundig viel Humor hat, auch Selbstironie und Charme. Man kann ihm das gar nicht vorwerfen, denn Carax weiß es und will es. Und man darf ja alles im Kino, auch prätentiös sein.

Das hat vorletztes Jahr auch Godard bewiesen, an den Carax Film öfters erinnert. Auch bei Godard paart sich ganz schöner Quatsch mit genialen Einfällen. Und auch Carax spielt mit Zitaten aus der Kinogeschichte, und wer sucht, wird auch sonst zahlreiche weitere Verweise auf anderes finden: Auf Hoffman's Erzählungen, Kafka, Borges. Wie Borges Texte funktioniert auch dieser Film über Koinzidenzen und Korrespondenzen. Im Presseheft steht ein längeres Zitat aus Jorge Luis Borges' Buch Everthing or Nothing über Shakespeare.

Carax selbst markierte seine Position als kompromissloser Autorenfilmer so eindeutig wie möglich: "Ich weiß nicht, wer mein Publikum ist. Ein Haufen Leute, die tot sind ("bunch of people, who are dead"). Ich mache keine öffentlichen Filme, ich mache private Filme, aber jeder ist eingeladen, sie zu sehen." ("I dont make public films, i make private ones. I invite people to see it.").

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Dabei sollte man sich nicht täuschen lassen: Carax ist kapriziös, aber kein Idiot. Er weiß, was er tut. Er pflatscht dieses Ding so hin, und wir können damit machen, was wir wollen. Schon dieser Gestus ist großartig. Jetzt rattert die Interpretationsmaschine. Darum hier mal unsererseits ein erstes kleines Angebot zum Verständnis: Man muss diesen Film nehmen, wie ein Gedicht, wie einen Traum, bzw. einen Traumfilm a la Lynch. Man sollte an die Romantik denken, an Novalis und Schlegel, an Hoffmann, an Baudelaire und Poe. An romantische Ironie. Man sollte auch surrealistische Kunst im Hinterkopf behalten, Filme von Bunuel und Cocteau, Bilder von Ernst und Dali, Texte von Queneau und vor allem Bataille. Kafka und Borges hatte ich bereits genannt, die kann man auch als Surrealisten eigener Art verstehen. An Celine musste ich auch denken.

Carax ist weltanschaulich ein Anarchist und konservativer Revolutionär, ein Pessimist und Menschenhasser - vielleicht kein sympathischer Mensch. Vielleicht doch. Aber das ist auch egal. Viele Künstler waren bekanntermaßen unsympathische Menschen, und viele sympathische Künstler machen leider schlechte Kunst.

Thematisch geht es offenkundig um das Verhältnis zwischen Menschen, Monstern und Maschinen. Das bedeutet aber, dass es hier natürlich grundsätzlicher auch um die Beziehung zwischen Realität und Phantasie geht. Orcar ist nicht nur eine Figur der Phantastik, sondern auch ein Bote der Phantasie. In dieser Beziehung zwischen beiden Ebenen dient die Phantasie in der Regel dazu, uns von der Realität zu erlösen. Bei Carax ist das Verhältnis ausgeglichener. Realität und Phantasie stehen gleichberechtigt nebeneinander.

Vielleicht ist das alles nur der Albtraum eines Filmregisseurs - namens Carax - der von seinen Ideen verfolgt wird. Vielleicht auch die Kinogeschichte, die sich selber träumt. Die Realität bleibt dann für die, die nicht stark genug sind, um diese Träume auszuhalten.

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Holy Motors ist ein herausfordernder Film, eine urbane Poetik mit Vision, insgesamt ungeheuerlich und ungeheuer faszinierend. Um mich zu wiederholen: Man weiß nicht genau, was es alles bedeutet, aber es ist großartig.

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"Zu uns sind Leute gekommen, und haben gesagt: Wir hassen diesen Film, hassen Sie den auch." erzählt später Erika Gregor, die mit ihrem Mann, dem Gründungsdirektor des Berlinale-Forums auch 2012 Dauergast in Cannes ist. Wer Filme liebt, geht nicht in den Ruhestand, das kann man an den Gregors gut beobachten - und offenkundig hält Kino auch jung.

"Aber er wird nichts kriegen, nicht in dieser Jury." meinte Gregor dann noch.

Und der Direktor eines großen österreichischen Filmfestivals, der gerade bei uns stand, und schon seine ganz eigenen Erfahrungen mit dem Jurypräsidenten Nanni Moretti hat, meinte noch: "Der Moretti ist ein totaler Egomane, der hat in diese Jury sogar zwei Stimmen, und das sind zwei Stimmen zuviel. Und die Diane Kruger, die ist so dumm… das wird nix." Bei Kruger bin ich mir da gar nicht so sicher. Bei Moretti schon.

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Zeit einmal über die diesjährige Jury zu reden. In allen Gesprächen der letzten Woche war das Urteil unisono: Von denen ist nichts Gutes zu erwarten, mehr oder weniger alles Deppen ohne Geschmack oder die typischen Liebhaber des Gutmenschenkinos. Aber vielleicht täuschen wir alle uns ja in den Regisseuren Andrea Arnold, Alexander Payne und Raoul Peck, in den Schauspielerinnen Hiam Abbass, Emmanuelle Devos und Diane Kruger, ihrem Kollegen Ewan McGregor, sowie dem Modeschöpfer Jean-Paul Gaultier.

***

Über Moretti traue ich mir aber ein gewisses Urteil zu. Was allemal klar ist, und keine österreichische Verschwörungstheorie ist, dass Moretti Haneke und Seidl verabscheut. Es gibt dazu zwei schöne böse Anekdoten: Als 1996 Hanekes Funny Games in Cannes lief, war Moretti schon mal in der Jury (aber nicht Präsident) und soll zu den Jury-Kollegen gesagt haben, jeden, der für diesen Film stimme, den schlage er zusammen. Verbürgt ist, dass Moretti in Venedig 2001, als Seidls Hundstage lief, mit dem Austritt aus der Jury gedroht hat, als die Mehrheit den Film mit dem Goldenen Löwen auszeichnen wollte.

Woher das alles kommt? Keine Ahnung. Vielleicht der Hass der Italiener gegen ihre ehemaligen Kolonialherren?

Auch Diego aus Argentinien kalkuliert mit Morettis persönlichem Egotrip: "Haneke und Seidl fallen aus. Auch Garrone, denn er wird keinen Italiener neben sich dulden. Auch keinen Regisseur, der schon eine Goldene Palme hat, denn dann hätte der mehr als er selbst."

Was bliebe dann? Kiarostami.

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"Ich habe meine Identität als Popstar abgestreift" sagte Kylie Minogue zu ihrem Auftritt auf der Pressekonferenz zu Holy Motors, die weniger voll war, als erwartet, und durch die undisziplinierten Fotographen gestört wurde, die sich partout nicht hinsetzen wollten, "mich an meine Anfangsjahre als Schauspielerin erinnert, und versucht, so basic wie möglich zu sein. Es war ein magisches Erlebnis."

Auf der gleichen Konferenz liefert die französische Produzentin von Carax gleich noch eine gute Definition von Autorenkino, die man gern mal von einem deutschen Produzenten hören würde: "Filme, die weit weg sind vom Ordinären, vom Massen-Geschmack, die nicht das Fernsehen interessieren, die keine Komödien sind."

Sie erzählt dann auch, der Film sei bereits fertig finanziert gewesen, dann hätten die Banken plötzlich die Verträge nicht unterzeichnen wollen, und es dauerte weitere zwei Jahre. Da zeigte sich dann das deutsche Fernsehen, genauer: Der deutsche Teil des Kulturkanals ARTE von seiner besten Seite: gleich drei deutsche Redakteure stehen jetzt auf dem Abspann, und können sich womöglich am Sonntag freuen.

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Das neueste Gerücht, dass deshalb glaubwürdig ist, weil es aus sehr gut informierten Kreisen kommt: Der Film sei dann am Ende nur deshalb möglich gemacht worden, weil ein Anruf aus dem Elysee-Palast bei der ARTE-Chefetage die Finanzierung klar gemacht habe. Denn Leos Carax, der mit seiner hellen braunen speckigen Lederjacke und seiner Sonnenbrille ein bisschen so aussieht wie ein Hongkong-Regisseur, war ja auch mal der Lover von Präsidentengattin Carla Bruni.

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Das können sie auch wegen Carlos Reygadas. Zu dessen Film Post tenebras lux schreiben wir im nächsten Blog noch mehr. Nur soviel: Eine faustische Schuld und Sühne-Geschichte im Murnau 5:4-Bildformat mit verzerrten unscharfen Rändern, wie Sukurov. Und der zweite Katholo-Schlocker in wenigen Tagen, aber ganz anders, polymorph-pervers halt, wie immer bei Reygadas: Sodom und Gomorra in Mexiko. Zweifellos ein toller, irrer, stellenweise sehr schöner Film, stellenweise auch wieder einfach unverständlich. Und er tut ein bisschen kunstvoller, als er ist, erzählt eine ganz straighte Story mit Zeitsprüngen vor und zurück, weil's dann besser aussieht. Ein toller Film und ein Preiskandidat.

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Was denn Katholo-Schlocker bedeutet, werde ich aus Deutschland gefragt. Meine Antwort: Katholo-Schlocker - tja, das war eine persönliche Wortschöpfung: Schlocker ist eine Mischung aus Schocker und Schlock, dem jiddischen Wort für billig, Schund, schäbig, kitschig, trashig und Katholo ist klar, oder? Zum Beispiel der Exorzist wäre auch ein Katholo-Schlocker - interessant, aber irgendwie geht's so trotzdem nicht... Ok? Dazu noch zwei Links:
http://www.wired.com/underwire/2010/12/syfy-ice-quake/
und:
http://www.youtube.com/watch?v=_eLBQLUyfhg

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Im Presseraum: Ein Kollege wicsht sorgfältig die zuvor von anderen benutzten Tasten ab. Fehlt nur noch, dass er wie die österreichischen Touristinnen in Seidls Afrika mit Desinfizierspray nachsprüht und -wischt "It's symbolic" meint er auf meine amüsierte Frage.

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Ein paar andere Preisspekulationen und Favoriten gibt es auch schon: Von den Holländern Ronald und Peter etwa. Peter vom NRC sagte: Ich denke, das Jagten von Vinterberg etwas gewinnt, vielleicht den Hauptpreis. Das finde ich sehr überzeugend. Denn der dänische Missbrauchsfilm, den ich Sonntag noch nachholen muss, klingt wie der perfekte Kompromiss für eine Themenjury. Ronalds Favorit ist der Haneke, sein Lieblingsfilm der mexikanische Despues de Lucia, über den ich schon geschrieben hatte. Dana vom Filmkrant sieht es sehr ähnlich, wie ich: Hanekes Amour ist der beste Film, aber Reygadas und Carax sind die interessantesten und sollten am Sonntag gewinnen.

Hier alle Berichte aus Cannes 2012.

Neu im Kino - Kinotipps vom 24.05.2012

noreply@blogger.com (Christian Weiler) — Thu, 24 May 2012 18:03:00 +0000

Kara Hayward und Jared Gilman in Moonrise Kingdom

Es ist zwar erst Donnerstag, für die Kinofans unter uns bedeutet das jedoch schon den Beginn einer neuen Woche, der Kinowoche. Und die hat mit drei ausdrücklichen Empfehlungen einiges zu bieten. Wir stellen euch die drei unserer Meinung nach sehenswertesten Filme der Woche vor und geben euch auch einen Überblick über die weiteren, mehr oder minder interessanten Releases.

Die wichtigste Empfehlung der Woche stellt Wes Andersons Moonrise Kingdom dar. Hier brennt das frisch verliebte Pärchen Sam (Jared Gilman) und Suzi (Kara Hayward) 1965 auf einer kleinen Insel vor New England zusammen durch. Das Problem: Die beiden sind erst 12 Jahre alt. Das Verschwinden versetzt nicht nur das Ferienlager, in dem der Pfadfinder Sam eigentlich sein sollte, sondern auch das ganze Inseldorf in helle Aufregung und so machen sich gleich mehrere Erwachsene auf die Suche nach dem präpubertären Abenteurerpärchen, während sich die beiden auf ihrer Reise näher kommen. Rüdiger Suchsland konnte Moonrise Kingdom in Cannes sehen und war zu seiner eigenen Überraschung begeistert. Die Schauspieler konnten sowohl auf Seiten der Kinder (Kara Hayward, Jared Gilman) als auch auf Seiten der Erwachsenen (u.a. Edward Norton, Bruce Willis, Bill Murray, Harvey Keitel, Tilda Swinton, Frances McDormand und Jason Schwartzmann) voll und ganz überzeugen und so kam Rüdiger Suchsland zu dem Fazit:

"Moonrise Kingdom ist ein sehr schöner Film, und alles andere als nur "nett". Der bisher einzige, den man gern ein zweites Mal sehen will."

In Na Hong-Jins Actionthriller The Yellow Sea ist der koreanische Taxifahrer Gu-Nam (Ha Jung-Woo) vom Pech verfolgt. Gu-Nam wanderte in der Hoffnung auf ein besseres Leben nach China aus. Hier hat er aber schon bald riesige Spielschulden. Um diese zu begleichen, willigt er einen folgenschweren Deal ein: Er soll für den Gangsterboss Mr. Myun (Yun-seok Kim) einen Mord in Korea begehen. Bei diesem Auftrag kommen ihm jedoch zwei weitere Killer zuvor. Trotzdem wird Gu-Nam fortan nicht nur von Mr. Myun, sondern auch von der Polizei gejagt. Während er versucht, sein Leben zu retten und den Komplott, der gegen ihn geschmiedet wurde, aufzudecken, hofft er außerdem, seine Frau in Korea wiederzufinden. Sowohl Jo Bieber als auch Rüdiger Suchsland waren 2011 von The Yellow Sea begeistert. Gerade der Realismus und die Unverblümtheit, was die Darstellung von Gewalt und Verzweiflung angeht, sowie das Fehlen von Grenzen zwischen Gut und Böse, lassen The Yellow Sea zu einem ganz eigenen und besonderen Filmerlebnis werden. Die trockene Brutalität des Films unterstreicht die tragische und aussichtsslose Situation des Protagonisten und so sah Rüdiger Suchsland in The Yellow Sea gar den besten Film des Cannes Filmfestival 2011.

Die beiden Kritiken zu The Yellow Sea findet ihr hier:

Tag der Autos, Tag der Messer von Rüdiger Suchsland
Fantasy Filmfest 2011: Yellow Sea von Jo Bieber

Unsere dritte Empfehlung ist Barry Sonnenfelds http://www.negativ-film.de/2012/05/men-in-black-3.html. Hier erfährt Agent J (Will Smith), dass sein Partner K (Tommy Lee Jones) ihm noch lange nicht alle ihm bekannten Geheimnisse anvertraut hat. Eines Tages ist K jedoch wie vom Erdboden verschluckt. Angeblich sei er schon seit vierzig Jahren tot. Eine unbekannte Bedrohung hat den Verlauf der Geschichte verändert und so muss J zurück ins Jahr 1969 reisen, um mithilfe des jungen K (Josh Brolin) dieses Geheimnis zu lüften. Wie das Team bald feststellt, geht es hierbei jedoch nicht nur um das Leben von K, sondern um das Schicksal der ganzen Erde. Dem Film gelingt eine gelungene, kurzweilige Unterhaltung. Simon Born schreibt:

Nach einem eher mauen Sequel führt Men in Black 3 das Blockbuster-Franchise souverän auf seine Wurzeln zurück. Dabei extrahiert Regisseur Barry Sonnenfeld die beiden Hauptzutaten des Men in Black-Erfolgsrezeptes und spielt sie in der vierten Dimension neu durch: Die detailreich-ausgearbeitete Sci-Fi-Welt der Filmreihe sowie die charmante Buddy-Geschichte zwischen den beiden Protagonisten.

Zur kompletten Men in Black 3-Kritik geht es hier.

Doch nicht alle Filme können es in unsere Empfehlungen schaffen. Hier ein Überblick über die Releases, die uns nicht komplett begeistern konnten:

Mit Ein ruhiges Leben präsentiert Claudio Cupellini ein Familiendrama im Mafiafilm-Gewand. Hier wird der Familienvater und Restaurantbesitzer Rosario (Toni Servillo) im ländlichen Idyll bei Wiesbaden von seiner Vergangenheit eingeholt. Sein erster Sohn Diego (Marco D'Amore) kehrt nach Jahren unangekündigt im Haus seines Vaters ein und beschließt, zu bleiben. Sein Begleiter, Edoardo (Francesco Di Leva), ist jedoch der Sohn eines berüchtigten Mafiosis. Für Rosario beginnt ein Kampf um seine neue Familie und gegen seine Vergangenheit. Trotz durchweg guter Schauspielerischer Leistung und gelungener, atmosphärischer Inszenierung, bemängelt Lars-Christian Daniels in seiner Kritik zu Ein ruhiges Leben das relativ vorhersehbare und spannungsarme Drehbuch. Dank der überzeugenden Umsetzung wird Ein ruhiges Leben trotzdem zu einem soliden Kinoerlebnis.

I Want to Run dokumentiert den Trans-Europalauf aus der Sicht von sieben Amateuersportlern und Profis. Im Verlauf des längsten Rennens der Welt müssen die Athelten in 64 Etappen 4.500 Kilometer zurücklegen. Jeden Tag laufen die Sportler 70 Kilometer und bringen sich damit nicht nur an ihre körperlichen, sondern auch an ihre mentalen Grenzen. Durch diese Belastung wachsen die Teilnehmer des Rennens zusammen, ohne jedoch die sportliche Konkurrenz aus den Augen zu verlieren. Regisseur Achim Michael Hasenberg dokumentiert sieben persönliche Leidenswege und Erfolgsgeschichten, lässt dabei jedoch leider die Beweggründe, an dem Rennen teilzunehmen, zu sehr außer Acht. Insgesamt ist die Story des Filmes und die, gerade von den Amateursportlern erbrachte Leistung zwar beeindruckend, filmisch kann sich I Want to Run jedoch nicht von der Masse an Dokumentarfilmen abheben.

Der Name Janosch wird bei vielen Kindheitserinnerungen wecken. Nun bringt Irina Probost Tiger und Bär mit Janosch - Komm, wir finden einen Schatz auch für die jüngste Generation ins Kino - animiert und wahlweise sogar in 3D. Im Film finden die altbekannten Figuren Tiger und Bär eine Schatzkarte und machen sich gemeinsam mit ihrem neugewonnenen Mitstreiter, einem Hasen namens Jochen Gummibär auf die abenteuerliche Suche nach dem versteckten Schatz. Um diesen zu finden, müssen sie jedoch vor dem Detektiv Gokatz und seinem Hund "Kurt der knurrt" ans Ziel gelangen. Für die ganz jungen Zuschauer bietet Janosch - Komm, wir finden einen Schatz sicherlich ein amüsantes Abenteuer mit positiver Message, die den Wert der Freundschaft betont. Für Ältere wird der auf das junge Publikum ausgerichtete Film jedoch schnell langweilig und wird durch die neue Aufmachung und die Abkehr vom Janosch-typischen Zeichenstil und Charme in Konflikt mit den nostalgischen Gefühlen geraten.

Shiar Abdis Drama Mes - Lauf! handelt von dem jungen Cengo (Abdullah Ado), der in einem kurdischen Dorf Anfang der 80er Jahre aufwächst. Die Familie des Zwölfjährigen ist sehr arm und Cengo trifft sich mit seinen Freunden oft unter einer Eisenbahnbrücke, um zu entspannen und zu spielen. Eines Tages lernt er einen armen, alten Mann kennen. Xelilo (Selamo), so sein Name, ist stumm und dennoch freundet sich der Junge mit ihm an und zeigt ihm sogar den Treffpunkt unter der Brücke. Es scheint eine wunderbare Freundschaft zu entstehen, bis durch den türkischen Militärputsch die Kurden in höchste Gefahr geraten. Trotz der grundsoliden Story lässt Mes - Lauf! leider einen Spannungsbogen vermissen und kann aufgrund der distanzierten Darstellung auch auf emotionaler Ebene nicht sein ganzes Potenzial ausschöpfen.

Sharayet - Eine Liebe in Teheran von Regisseurin Maryam Keshavarz erzählt die Geschichte zweier junger Frauen, die trotz der gesellschaftlichen Zwänge im Iran versuchen, ihre Jugend voll auszuleben. Wilde Untergrundpartys, Drogen und Sex bestimmen die Wochenenden, die Atafeh (Nikohl Boosheri) und Shirin (Sarah Kazemy) zusammen verbringen und schon bald entwickelt sich aus der Freundschaft der beiden Schülerinnen auch eine sexuelle Beziehung . Erlauben können sich die beiden dieses Leben gegen die im Iran herrsschenden Gesetze nur, weil Atafehs liberale und wohlhabende Familie sie deckt. Atafehs Bruder Mehran (Reza Sixo Safai) experimentierte schon vorher mit Drogen, wurde jedoch abhängig. Im Entzug wendet er sich dem religiösen Fanatismus zu und versucht, diesen nach seiner Rückkehr in der Familie zu etablieren. Als Mehran von Atafehs Ausschweifungen und ihrer lesbischen Beziehung zu Shirin erfährt, geraten die beiden in Gefahr und müssen um ihre Freiheit kämpfen. Die Grundstory von Sharayet - Eine Liebe in Teheran und die schauspielerischen Leistungen können überzeugen. Leider wirkt das Drehbuch und einige Charaktere und Szenen oft stark einseitig und überzeichnet.

Wenngleich die neue Kinowoche mit drei Empfehlungen überdurchschnittlich gut abschneidet, gibt es trotzdem Filme, denen man, unserer Meinung nach, getrost fernbleiben kann:

Hier findet sich das Familiendrama Archipelago von Joanna Hogg. Bevor Edward (Tom Hiddleston) für ein Jahr nach Afrika geht, macht er noch einmal Urlaub mit seiner Familie auf den Scilly Islands. Während Edwards Vater, der ankündigte, nachzukommen, weiter auf sich warten lässt, kommen im Urlaub langsam die wahren familiären Differenzen zum Vorschein. Oberflächlich führt man einen makellosen Familienurlaub, die Wahrheit sieht jedoch ganz anders aus. Der zunächst interessante Versuch Hoggs, die Familienprobleme in der Stille zwischen den Zeilen zu beschreiben, verliert sich jedoch schon bald in absoluter Spannungslosigkeit und so kommt beim Zuschauer sehr schnell Langeweile auf. Sobald Probleme verbalisiert werden, bleibt dann nicht einmal mehr das interessante Konzep und so wird Archipelago über die volle Länge belanglos.

In Act of Valor soll eine Truppe der Navy SEALs, angeführt von Lt. Rorke, eine in Costa Rica entführte CIA Agentin (Roselyn Sanchez) retten. Dabei enthüllen sie jedoch auch einen geplanten Terroranschlag auf die USA, den es nun mit allen Mitteln zu verhindern gilt. Das interessante Konzept der Regisseure Scott Waugh und Mike McCoy, die Truppe mit aktiven Navy SEALs zu besetzen, kann jedoch keine Minute über den Mangel an Story und Kreatitivät hinwegtäuschen. Zwischen stumpfem Geballer und noch stumpferem Patriotismus findet weder gutes Schauspiel, noch erzählerischer Tiefgang Platz. Act of Valor propagiert fanatische Vaterlandsliebe, die junge Männer dazu bringt, für ihr Land in den Kampf ziehen und sterben zu wollen, anstatt im eigenen Lager aufzubegehren. Diese platte und sehr bedenkliche Message ist dabei leider nicht einmal gut verpackt worden.

Damit kommen wir zum Ende unserer wöchentlichen Kinotipps und geben euch mit den folgenden Trailern noch einmal einen Vorgeschmack auf unsere drei Empfehlungen:

Moonrise Kingdom

The Yellow Sea

Men In Black 3

Leb wohl, meine Königin - Gewinnspiel zum Kinostart

noreply@blogger.com (Kadir Güngör) — Thu, 24 May 2012 17:38:00 +0000

Nachdem das Historiendrama Leb wohl, meine Königin auf der Berlinale ihre Weltpremiere hatte, startet sie am 31. Mai auch hierzulande in den Kinos. Während die Königsfamilie im Schloss Versailles ein Leben in Maßlosigkeit führt, hungert das französische Volk. Die Unruhen in Paris und die bevorstehende Revolution nimmt man kaum wahr. Erst mit dem Sturm auf die Bastille werden Vorkehrungen getroffen. In Leb wohl, meine Königin werden die letzten drei Tage der Königin Marie Antoinette beleuchtet, ehe sie bei ihrem Fluchtversuch von den Revolutionären gefasst wurde. Ein besonderer Fokus wird dabei auf die Beziehung zwischen der Königin und ihrer treuergebenen Vorleserin Sidonie Laborde gelegt. In der Rolle der Königin Marie Antoinette ist Diane Kruger zu sehen, Léa Seydoux verkörpert Sidonie. Regie führte Benoît Jacquot.

Mehr Informationen gibt es auf der offiziellen Homepage und auf Facebook.

Hier der Trailer:

Anlässlich des Kinostarts verlosen wir 2x Fanpakete (bestehend aus 2 Kinofreikarten, 1 Filmplakat und dem Buch "Die Lilie von Versailles" aus dem Fischer Verlag). Beantwortet die folgende Frage richtig und nehmt an der Verlosung teil.

Teilnahmeschluss ist der 07. Juni

Leider können nur Teilnehmer mit Wohnsitz in Deutschland akzeptiert werden. Die Daten werden selbstverständlich vertraulich behandelt. Mit der Teilnahme am Gewinnspiel akzeptiert ihr automatisch die hier einsehbaren Teilnahmebedingungen.

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Triumph des Anarchismus | Cannes 2012

noreply@blogger.com (Rüdiger Suchsland) — Thu, 24 May 2012 16:42:00 +0000

Auf der Insel des Kinos habe ich die Goldene Palme gesehen; Cannes-Blog, Folge 6.

Da war er endlich, der erste dieser Filme, wegen denen man nach Cannes fährt. Sieben Tage hat es gedauert, wenn man den Eröffnungsmittwoch mitzählt, und erstmals gingen die Leute nicht wie üblich still, und mit gesenkten Häuptern schnell raus aus dem Kino, sondern standen da, bildeten Trauben, und diskutierten. Zuvor, beim hatte es laute Bravo-Rufe, viel Applaus, aber auch unüberhörbare Buhs gegeben. Die Rede ist von Leos Carax, der dreizehn Jahre nach seinem letzten Film Pola X zurück ist an der Croisette. Sein neuer Film Holy Motors ist ein Film, den ich nicht verstehe, von dem ich mir noch nicht einmal sicher bin, ob ich ihn gut finde. Der mir aber sehr sympathisch ist, weil er in einem arbeitet und lebt. Ich bin heilfroh, ihn gesehen zu haben und freue mich schon darauf, ihn mir noch einmal anzusehen, vielleicht schon hier in Cannes. Und ich bin nach der Vorstellung sicher: Ich habe die Goldene Palme gesehen.

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Holy Motors ist also das bisher ohne Frage herausforderndste Werk im Wettbewerb. Dabei ist auch dies wieder einer unter mehreren Filmen in diesem Cannes-Jahr, die einen das Werk eines Filmemachers mit neuen Augen sehen lassen, die unter Umständen zu einer Art Konversion führen. Wes Anderson mochte ich vor Moonrise Kingdom nicht, von Haneke hätte ich Amour nicht erwartet. Und "Wer mag eigentlich Carax?" hatten wir noch kurz vor dem Screening gelästert. Denn jeder sagt zwar gern schnell dahin: "Oh toll dieser Die Liebenden von Pont Neuf'", aber das sagen eigentlich nur Leute, die nicht viel ins Kino gehen, oder noch in ihrer filmischen Hermann-Hesse-Phase stecken. Denn das genau ist Die Liebenden von Pont Neuf: Schlimmste Sentimentalität, unterfüttert mit Lebensweisheiten für die Volkshochschule. Wenn man unter Kritikerkollegen dann mal genauer nachfragt, stellt sich schnell heraus: Den Film mag eigentlich keiner. Auch Pola X hat alles andere, als einen guten Leumund. Doch immerhin einen besseren. Ich hab den Film als sehr gut in Erinnerung - versponnene, aber sehr romantische (Geister-)Geschichte, tolle Bilder, inhaltlich eher Quatsch.

Auf dem Empfang des Internationale Filmfestivals Istanbul hatten wir, was wir sonst um diese frühe Zeit vermeiden, zwei Efes-Bier getrunken, das war gar keine schlechte Voraussetzung für diesen Film.

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Es beginnt wie ein Film von David Lynch: Wir sehen im Dunkeln eines Kinosaals, auf dessen Leinwand (noch) kein Film läuft, das Publikum. Schweigend. In Erwartung. Dann Nacht, ein Mann in einem Hotelzimmer, schlaflos, oder schlafend in jenem Zwischenreich zwischen Schlaf und Wachen, von draußen hört man Schiffssirenen, Hafengeräusche, der Mann geht im Zimmer herum. Dann sehen wir die eine Wand des Zimmers, sie ist ein Wald. Der Mann, der übrigens vom Regisseur selbst gespielt wird, und nur in dieser Auftaktsequenz auftaucht, öffnet eine Tür, mit einem metallischen Vierkantschlüssel, der aus seiner rechten Hand anstelle des Mittelfingers herauswächst. Ein Albtraumbild, spätestens jetzt wissen wir, wo wir uns befinden. Der Mann tritt ein in einen Kinosaal. Von oben. Von dort ist auch ein kleines Kind zu sehen, dass im Mittelgang auf die Leinwand zuläuft. Stille. Wieder das Publikum. Die Kamera ist jetzt unten, filmt auf den Mittelgang zu. Aus dessen Dunkel löst sich jetzt kaum sichtbar ein großer, schwerer Hund. Schnitt.

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In dem assoziativen, anarchistischen Stil geht es weitgehend weiter, wenn auch mit kleineren narrativen Passagen. Holy Motors bietet keine Handlung, die sich einfach nacherzählen ließe, sondern solche Bilder. Er verbindet um eine Rahmenhandlung neun Episoden, die wiederum auch für sich eher aus losen Skizzen bestehen. Ein Film wie ein langes romantisches Gedicht in neun Strophen, mit starken Bildern und großartigen Augenblicken, weit weg vom Mainstream und auch vom gewöhnlichen Kunstkino.

Ein Film, der der Traumlogik folgt - manche würden also sagen, gar keiner Logik; aber das sehe ich anders - der darin stark David Lynch ähnelt und ein wenig manchen Filmen von Hitchcock. Aber den man nicht als Illustration freudianischer Thesen missverstehen kann.

Wie bei Lynch werden Realität und Phantasie hier nebeneinander positioniert: Horizontal, unhierarchisch, gleichberechtigt, zunehmend ununterscheidbar. Und wie bei Lynch gibt es daneben noch eine dritte Ebene, die vielleicht die eigentliche Referenzebene von Holy Motors ist: Das Universum des Kinos und der Literatur, der Kunst überhaupt.

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"Jeder Film handelt auch von der Filmgeschichte" sagt Carax am nächsten Morgen auf der Pressekonferenz: "Wenn man einen Film macht, macht man auch einen Film über das Kino." Und weiter: "Ich habe das Wort Referenz immer gehasst. Das Kino ("Le Cinema") ist für mich eine wunderschöne Insel, die einen großen Friedhof hat. Manchmal lebt man auf dieser Insel, manchmal geht man hin auf einen Drink."

***

Die erwähnte Rahmenhandlung beginnt mit einem großartigen Architekturmonument der klassischen Moderne, aus der Hüfte geschossen würde ich sagen: Von Corbusier. Dort wohnt ein Mann, gespielt von Denis Lavant. Er sieht aus wie ca. 60, und steigt, begleitet von Abschiedsrufen seiner jungen Kinder "bonsoir papa ... travaille bien" und einem sonderbar höhnischen Kinderlachen, sowie von Fahrer und Bodyguards in eine weiße Stretchlimousine. Mit der fährt er den ganzen Tag durch Paris, um insgesamt neun Verabredungen zu erfüllen, zu denen ihm seine Fahrerin, die offenkundig auch Assistentin ist, jeweils eine Mappe mit Vorabinformationen überreicht - Cronenbergs Cosmopolis wirft seinen Schatten voraus, denn auch in diesem Film, den wir am Wochenende zu sehen bekommen, fährt ja ein Mann den ganzen Tag in einer Stretchlimousine, offensichtlich einem neuen repräsentativen Ort unseres Zeitalters, durch eine Metropole.

Bald allerdings wird klar: Der Mann ist namens- und alterslos. Wie ein perfekter Schauspieler schlüpft er jeweils in Identitäten. Der Titel ist übrigens der Name der Firma, wo die Limousinen am Abend parken. Irgendwann bekommen wir auch mit, dass es noch viele andere solcher herumfahrenden Wesen gibt, die ihre Identitäten wechseln. In den neuen Identitäten dringt der Mann ins Leben anderer Menschen ein, bringt ihnen Glück wie Unglück, kluge Ratschläge und Weisheiten, aber einen tötet er auch, ein anderer bringt sich nach beider Treffen um. Es könnte sich also um einen Engel handeln, oder um einen Sendboten der Unterwelt.

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Meine Tendenz geht zu Letzerem. Die Begründung hierzu muss nahgeliefert werden, denn in Cannes ist nicht nur das Wetter wieder schön, am heutigen Mittwoch will ich auch sechs Filme sehen. Jetzt geht es also erstmal wieder ins Kino.

Hier alle Berichte aus Cannes 2012.

Snow White and the Huntsman mit Kristen Stewart - interaktiver Trailer mit vielen Extras

noreply@blogger.com (Christian Weiler) — Thu, 24 May 2012 16:31:00 +0000

Chris Hemsworth und Kristen Stewart in Snow White and the Huntsman

Nächste Woche bringt Regisseur Rupert Sanders seine ganz eigene Version des Schneewittchenmärchens in die deutschen Kinos. Das zu Werbezwecken ein Trailer veröffentlicht wird, ist da selbstverständlich. Doch für Snow White and the Huntsman legte Universal noch einmal eine Schippe drauf und releaste jetzt einen interaktiven Trailer. So kann man während des Trailers an einigen Punkten auf das Video klicken und erhält so zusätzliche Clips, Bilder, Infos, oder "Fun-Facts" zum Film.

In Snow White and the Huntsman wird die Königin (Charlize Theron) von dem altbekannten Problem geplagt: Sie ist nicht mehr die Schönste im ganzen Land. Schneewittchen (Kristen Stewart) macht ihr Konkurrenz und so beauftragt die bösartige Monarchin den schwerbewaffneten "Huntsman" (Chris Hemsworth) damit, ihre Konkurrentin aufzuspüren und zu töten. Im Laufe der Reise wird dieser jedoch von Schneewittchens größter Gefahr zu ihrer einzigen Lebensversicherung und mithilfe der vom Huntsman gelernten Fähigkeiten wagt Schneewittchen schließlich gar einen actiongeladenen Angriff auf den Thron.

Snow White and the Huntsman startet am 31.05.2012 in den deutschen Kinos und erscheint somit fast drei Monate nach Tarsem Singhs Schneewittchen-Version Spieglein, Spieglein mit Julia Roberts und Lily Collins. Welcher der beiden ungewöhnlichen Adaptionen das Publikum für sich gewinnen kann, bleibt abzuwarten.

Den ersten Trailer zu Snow White and the Huntsman findet ihr hier:

Snow White & The Huntsman - Trailer

Und hier nun der oben erwähnte, neue, interaktive Trailer:

Quelle: Firstshowing
Bild: Universal

Unterwegs / On the Road nach Jack Kerouac - 2 Film-Clips

noreply@blogger.com (Daniel Blum) — Thu, 24 May 2012 16:29:00 +0000

Sam Riley, Kristen Stewart und Gerret Hedlund sind unterwegs, Copyright: Concorde

On the Road ist die Verfilmung des 1957 erschienenen Bestsellerromans Unterwegs von Jack Kerouac. Das Buch über die beiden herumreisenden Freunde Sal und Dean gilt als einer wichtigsten Texte der Beat-Generation. Verfilmt wurde die Geschichte vom Brasilianer Walter Salles, der mit Die Reise des jungen Ché bereits ein Roadmovie gedreht hat. In den Hauptrollen zu sehen sind Sam Riley, Gerret Hedlund und Kristen Stewart. Der Film feierte kürzlich bei den Internationalen Filmfestspielen in Cannes seine Premiere. Eine Übersicht zu unseren bisherigen Kritiken zum Festival haben wir hier bereitgestellt.

On the Road erzählt die Geschichte von Sal Paradise (Sam Riley), einem jungen Schriftsteller, dessen Leben sich schlagartig ändert, nachdem er den Freigeist und Herumtreiber Dean Moriarty (Gerret Hedlund) und seine Feundin Marylou (Kristen Stewart) trifft. Gemeinsam streifen sie durch das Land auf Flucht vor dem vorherrschenden Konformismus. Auf ihrer Reise suchen sie das Unbekannte und sich selbst und treffen dabei immer wieder auf Menschen, die den Trip berreichern.

In Deutschland läuft On the Road erst in einigen Monaten am 4. Oktober in den Kinos an. Um die Wartezeit bis dahin zu verkürzen, sind jetzt zwei Clips aus dem Film veröffentlicht worden.

Pippi Langstrumpf - neuer Film in Planung

noreply@blogger.com (Daniel Blum) — Thu, 24 May 2012 16:28:00 +0000

Die Schwedin Astrid Lindgren hat mit Pippi Langstrumpf eine der bekanntesten Literaturfiguren erschaffen und auch die alten Pippi Langstrumpf-Filme mit Inger Nilsson zählen mit Sicherheit zu den beliebtesten Kinderfilmen der letzten 40 Jahre. Diese können auch heute noch begeistern und haben sich ins kollektive Gedächtnis vieler Menschen weltweit eingebrannt. Den Zauber der alten Filme um die rothaarige Pippi soll jetzt ein neuer Film einfangen. Der Film soll auf den beiden Büchern von Jaokim Langer über Pippis Vater, Efraim Langstrumpf, basieren, der auf einer von Kannibalen bewohnten Insel strandet. Für die Geschichte hat sich der schwedische Autor von einer tatsächlichen Begebenheit inspirieren lassen, die dem Seeman Carl Emil Pettersson zu gestoßen ist. Dieser strandete 1904 auf der Insel Tabar in der Südsee. Welche Rolle in dem neuen Film der kleinen Pippi zukommt, ist derzeit noch nicht sicher.

Produziert wird das Projekt von Mirijam Johannson. Ein rechtlich abgesichertes, vorläufiges Drehbuch von Daniel Fridell und Ulf Stark befindet sich derzeit noch in der Verhandlung. Wird es angenommen, soll es von einem amerikanischen Top-Autor überarbeitet und vollendet werden. Über die Regie und mögliche Schauspieler ist bisher ebenfalls noch nichts bekannt. Man darf also gespannt sein, was uns da erwartet.

Holy Motors von Leos Carax – Trailer

noreply@blogger.com (Daniel Blum) — Thu, 24 May 2012 16:26:00 +0000

Holy Motors heißt der neue Film des französischen Regisseurs Leos Carax. Derzeit läuft der Film auf den Internationalen Filmfestspielen in Cannes, hier unsere Kritik von Rüdiger Suchsland. Eine Übersicht über die bisherigen Berichte zum Festival findet ihr hier. Des Weiteren haben wir für euch die Trailer zu den Filmen, die in Cannes gezeigt werden, bereitgestellt. Holy Motors ist seit dem 1999 erschienenem Pola X der erste Langfilm des Franzosen. Dabei sind Denis Lavant, Edith Scob, Kylie Minogue und Eva Mendes.

Der Film handelt von dem mysteriösen Monsieur Oscar (Denis Lavant) auf seinen Streifzügen durch das nächtliche Paris. Dabei schlüpft er immer wieder in verschiedene Rollen. Vom Industriechef über einen Mörder bis hin zum Bettler lässt er nichts aus. Begleitet wird er dabei von Céline (Edith Scob), seiner Fahrerin, die ihn treu durch ganz Paris chauffiert.

In Frankreich startet der Film am 4. Juli dieses Jahres. Wann genau der Film bei uns gezeigt wird, steht bisher noch nicht fest. Jetzt wurde ein Trailer veröffentlicht, der einen kleinen Vorgeschmack auf den Film gibt.